FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2016
DONOSTIA ZINEMALDIA
16 al 24 de septiembre de 2016
Un año más,
y van 64º ediciones, el Festival Internacional de San Sebastián vuelve a su
cita anual bajo la batuta de su director José Luis Rebordinos.
Sin duda
alguna sigue siendo el Festival más importante de todos los que se celebran en
España. La oferta cinematográfica es sencillamente apabullante, inabarcable
para una única persona, debiendo ser muy cauto a la hora de preseleccionar los
títulos a visionar. Este año las
distintas secciones del Festival son:
·
Sección Oficial
·
Nuev@s Director@s
·
Horizontes Latinos
·
Zabaltegi-Tabakalera (que se convierte en sección competitiva)
·
Perlas de otros festivales
·
Culinary Zinema
·
Savage Cinema
·
Made in Spain
·
Jacques Becker (retrospectiva)
·
The act of killing
(ciclo)
Además de
otras secciones como Cine Infantil, proyecciones en el Velódromo, Zinemira, proyecciones especiales, etc. Tengo la sensación
que en los últimos años el Festival trata de abarcar demasiados aspectos que
desvirtúan la propia esencia del certamen. Secciones como “Culinary
Zinema” o “Savage Cinema” son más propias de
festivales especializados.
A destacar
la retrospectiva dedicada al cineasta francés Jacques Becker y el ciclo “The act of
killing” que toma el título del documental de Joshua Oppenheimer del 2012.
Ver enlace http://cinepastor.es/MILLA%20DE%20LA%20PAZ.htm
Los premios Donostia de este año han sido concedidos a Ethan Hawke y a Sigourney Weaver. Además del
primer Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino, que
recibirá Gael García Bernal. Durante el certamen recoge el Premio Nacional de
Cinematografía Ángela Molina.
Preside el
Jurado de la Sección Oficial el cineasta danés Bille
August (Virum, 1948):
Se
realiza una exposición con el título de “Welcome
Hitchcock” donde se muestran fotografías y algunos documentos de la visita que
realizó Hitchcock a San Sebastián (y a otras localidades) en 1958 para
presentar a concurso su película “Vértigo”. Ver enlace http://cinepastor.es/Hitchcock.htm
Momentos
memorables de este Festival: la maravillosa actuación de Meryl Streep en
“Florence Foster Jenkins”, el humor negro que se gasta Michele (Isabelle Huppert) en “Elle”, la
terrible secuencia de los cadáveres de los refugiados en un barco en “Fuego en
el mar”, el personaje de la abuela repleto de sabiduría en “Después de la
tormenta”, el inicio y la música de “La llegada” de Denis Villeneuve, la
estatua ardiendo en “Nocturama”, el technicolor de
“Las aventuras de Arsenio Lupin” de Becker, las
panorámicas de Terence Davies en “Historia de un pasión”, el dolor y la mentira
en “Frantz”…..
SECCIÓN
OFICIAL
De
los veinticinco trabajos que se presentan en la Sección Oficial, realmente sólo
diecisiete son películas a concurso (entre ellas tres españolas). A destacar la
presencia de seis óperas primas entre las películas que optan a la Concha de
Oro.
Una vez
vistas todas las películas a concurso sorprende que en todas ellas el lenguaje
narrativo que se emplea podría definirse como clásico, ortodoxo, no hay
experimentaciones formales, todo responde a patrones convencionales con algunos
trucos de guión muy trillados (algún salto temporal, algún fuera de plano).
También se destaca la presencia casi constante de la violencia en muchas de las
películas de la Sección Oficial, parece que ya no hay hueco para las buenas
comedias. Curiosamente la película que ha obtenido la Concha de Oro “Yo no soy
Madame Bovary” es la única que mostraba alguna experimentación formal diferente
y la única con toques de comedia (ver comentarios posteriores).
Calificación de las películas:
(o) Espantosa
(*) Mala
(**) Se puede ver
(***) Buena
(****) Muy buena
(*****) Obra maestra.
.-
(**) “La doctora de Brest” (“La fille
de Brest” / “150 Milligrams”,
Emmanuelle Bercoy, Francia,
2016):
Inaugura a concurso la Sección Oficial
en el Kursaal 1. Drama basado en hechos reales. Es la
segunda vez que una mujer directora tiene este honor y este hándicap (las
primeras películas a concurso suelen “olvidarse”, relegarse a la hora del
palmarés). De nuevo el cine francés tiene una presencia muy destacada en la
edición de este año con cuatro títulos (dos son coproducciones). Además
coinciden que se presentan las dos películas 100% de producción francesa el
primer día de festival (viernes, 16 de septiembre).
La enorme sala del Kursaal
1 está completamente llena. Se hace la presentación con público general y
prensa. Aplausos generales al finalizar la proyección.
Utiliza un lenguaje narrativo clásico.
Es una película correcta que está basada en hechos reales y con una buena
interpretación de la actriz danesa Sidse Babett Knudsen que interpreta a
la neumóloga Irène Frachon.
Se inicia en el año 2009 en la Bretaña francesa. La lucha real de una neumóloga
contra la segunda empresa farmacéutica de Francia y contra las propias
autoridades sanitarias al descubrir que el medicamento Meditor
(para diabéticos y para perder peso) provoca graves efectos secundarios en las
válvulas del corazón. Suena a dejavú, suena a telefim de sobremesa, tiene secuencias interesantes pero el
guión flojea en numerosas ocasiones. Avanza pero se detiene e incluso retrocede
en la historia. Indudablemente le sobra metraje y le falta garra. A destacar a
la actriz que puede optar a la Concha de Plata.
Palabras clave: Medicina. Corrupción
empresarial. Justicia.
La película, finalmente, no obtuvo
ningún reconocimiento en el palmarés oficial. Sí le dieron un premio paralelo,
el de la Asociación de Donantes de
Sangre de Gipuzkoa a la Solidaridad.
.-
(*) “Huérfana” (“Orpheline /Orphan”,
Arnaud Des Pallières, Francia, 2016):
A concurso. Drama. Lenguaje narrativo que pretende ser
"moderno" pero que en realidad responde a un falso artificio. Sala
Trueba 1. Pase de prensa. Ni un solo aplauso ni pitido.
La película transcurre por la vida de
una mujer adulta que guarda secretos del pasado, por una joven que busca
trabajo, por una adolescente conflictiva y por una niña que vive una traumática
experiencia. Cuatro vidas en cuatro momentos muy diferentes. Sergi López
interpreta un pequeño papel.
Resulta confusa hasta el punto de
generar diferentes interpretaciones: si es la misma mujer en cuatro etapas de
su vida o si son, realmente, cuatro historias diferentes. Decía Jorge Luis
Borges que no creía que la confusión fuera un mérito, una reflexión que Arnaud
Des Pallières parece desconocer.
Palabras clave: Malos tratos.
Prostitución. Juego. Violencia.
La película, finalmente y en buena
lógica, no obtuvo ningún reconocimiento en el palmarés.
.-
(**) “El hombre de las mil caras” (Alberto Rodríguez, España, 2016):
A concurso. Thriller. Teatro Victoria
Eugenia. Primer pase general con público y prensa (9 de la mañana del sábado 16
septiembre). Aplausos generales al finalizar la proyección.
Lenguaje narrativo clásico con algún
salto temporal. Una vez vista te deja la impresión de que Roldán era un pobre
hombre que tenía que vivir escondido y alejado de su mujer porque se le
perseguía en España de forma injusta. La película te deja ese poso final lo
cual me parece moralmente reprochable. Luis Roldán (ni más ni menos que
Director General de la Guardia Civil en aquella época) fue un corrupto (uno más
de los miles que hay) que robó cientos de millones de pesetas de dinero público
(el de todos, el que sale de nuestros impuestos) destinado a los fondos
reservados (“el fondo de reptiles” que diría Valle-Inclán). Un gran ladrón que no mereció ni merece ni la
más mínima “comprensión”. De hecho, y eso sí está muy bien expresado en la
película, parece que durante todo el metraje sólo tiene dos preocupaciones: el
dinero y su mujer. Algo parecido sucede con el personaje de Paesa que interpreta
de forma espléndida Eduard Fernández, un espía-delincuente del poder encargado
de tapar los trapos sucios de los políticos, de la policía, en definitiva de
los poderosos. La película es entretenida a pesar de tratar un tema tan poco
atractivo y todo ello gracias a la indudable pericia de su director. Muy bien
narrada las diferentes etapas del engaño generalizado y el retrato de las
cloacas del poder. A destacar las excelentes interpretaciones de Eduard
Fernández en el papel del espía Francisco Paesa, de Carlos Santos en el papel
de Luis Roldán y de José Coronado.
Un detalle en relación con los
comentarios posteriores en el documental de Diego Galán “Manda huevos”; en “El
hombre de las mil caras” se habla de ETA como grupo terrorista.
Palabras clave: Espías. Corrupción.
Fuga. Política.
El Jurado otorgó de forma injusta la
Concha de Plata al mejor actor a Eduard Fernández. Su interpretación es sin
duda muy buena pero en mi opinión el ganador moral de esta Concha debió ser
Roberto Álamo por su papel en “Que Dios nos perdone”. Supongo que el Jurado no
quiso que “El hombre de las mil caras” se fuera de vacío en el palmarés
oficial. Obtuvo también el Premio Feroz. No olvidemos que Antena 3 y MoviStar
están en la producción…
.-
(**) “Pastoral Americana” (“American Pastoral”, Ewan McGregor, USA, 2016):
A concurso. Drama. Ópera prima como
director del actor Ewan McGregor (Perth, Escocia, 1971). Será estrenada por Lionsgate en Estados Unidos el 21 de octubre de 2016.
Aplausos tibios en el pase de prensa del
Teatro Principal. Es la primera vez que este año sucede algo no habitual. En
una de las secuencias clave por su trascendencia, un momento especialmente
serio, parte de los asistentes se han reído, lo cual para el director o para el
guionista debe ser especialmente demoledor. Otra parte de los presentes les ha
rechistado. Esto da una idea de lo que sucede con la película en su conjunto.
Lenguaje narrativo clásico. Sin duda
alguna el gran fiasco del Festival. Todos habíamos depositado esperanzas en que
la adaptación de la novela homónima de 1997 de Philip Roth, ganadora del Premio
Pulitzer, arrojara una buena película. Sin embargo, y supongo que el guionista
John Romano tendrá algo de responsabilidad, tenemos una película falsa, poco o
nada verosímil, con trucos de guión muy banales. Ewan McGregor denota una
evidente falta de pericia tratando de hacer una película correcta sin arriesgar
nada. Es toda muy forzada. Falta hondura emocional en los personajes y sobre
todo falta una explicación verosímil de esa evolución emocional. Mezcla de
forma muy desigual secuencias magníficas con otras ridículas. Una lástima.
Palabras clave: Infancia. Adolescencia.
Terrorismo. Padres-hijas. Violencia.
Como es lógico no obtuvo ningún tipo de
reconocimiento en el palmarés.
.- (*) “As you are” (Miles Joris-Peyrafitte,
A concurso. Drama. Ópera prima. Pase con
público general en el K1. Aplausos ligeros.
De nuevo una película fallida fruto
seguramente de la falta de experiencia de su director. Por parte del Festival
es valiente presentar a concurso varias óperas primas, pero por otra parte es
muy evidente que, como es el caso, son trabajos que no están a la altura de una
sección oficial. Demasiados clichés que responden a la fórmula: juventud con
conflictos + padres violentos = juventud violenta. Resulta todo muy cansino con un final muy
predecible.
Palabras clave: Juventud. Malos tratos.
Homosexualidad. Padres-hijos. Violencia.
De vacío en el palmarés.
.- (**) “Lo tuyo y tú” (“Dangsinjasingwa
dangsinui geot” / “Yourself
and Yours”, Hong Sang-soo, Corea
del Sur, 2016):
A concurso. Comedia dramática. Aplausos
en el Teatro Principal en pase de prensa.
Lenguaje narrativo clásico. Al menos se
sale de la tónica habitual del Festival de este año (violencia). Es una
producción ligera, agradable, donde se mezcla muy bien secuencias más
dramáticas con secuencias más de humor, lo cual no es nada fácil. Juega con
nosotros y no sabes muy bien a qué atenerte, pero el director lo hace con
inteligencia. Ya no sabes si es todo una broma de ella, la confusión del amor,
la imaginación de él…. Hay frescura en las imágenes. Sorprende, porque hacía
tiempo que no lo veía, que en varias secuencias utiliza el zoom para cambiar la
composición del plano. Bille August (y el Jurado)
demuestran que saben lo que hacen cuando le han dado al director la Concha de
Plata a la Mejor Dirección. Es la primera vez que Hong Sang-soo compite en San Sebastián.
Palabras clave: Alcoholismo. Pareja.
Palmarés: Concha de Plata a la Mejor
dirección.
.- (**) “Medidas extremas” (“Eiðurinn” / “The Oath”, Baltasar Kormákur, Islandia, 2016):
A concurso. Thriller. Pase de prensa en
el Teatro Principal. Ningún aplauso ni pitido o pateo.
Lenguaje narrativo clásico. Se sigue con
interés pero no deja de ser una historia que suena a muy vista. Está rodado en Reijakiv y eso contribuye a crear una atmósfera más oscura
lo cual no es suficiente para sostener la película. Francamente no creo que sea
una película de un Festival tan importante como éste. Ha suscitado en los
debates en las redes cierta controversia: para algunos un Liam
Neeson vengando a su hija, para otros un thriller aceptable. Me quedo con los segundos.
Palabras clave: Violencia. Padres-hijas.
Drogas. Venganza.
De vacío, como es lógico, en el
palmarés.
.-
(**) “Cólera” (Ikari”/ “Rage”,
Lee Sang-il, Japón, 2016):
A concurso. Thriller (con mezcla de
drama). Tímidos aplausos en el Victoria Eugenia en
pase general con público y prensa.
Lenguaje narrativo clásico si bien trata
de ser más “modeno” al mezclar géneros: empieza como
un thriller tipo “Seven”,
deriva hacia un drama en parte romántico y lo embarulla todo mezclando con
desacierto varias historias. Se trata del cuarto largometraje de Lee Sang-il (Niigata, Japón, 1974). A
destacar el excelente trabajo del actor Ken Watanabe
que podía haber ganado la Concha de Plata al mejor actor. El tema que subyace
como fondo en toda la película es la confianza en las personas. Está basada en
una novela y ahí quizás radique el problema. Es posible que en la novela esa
diversidad de géneros funciones de forma correcta, pero el lenguaje
cinematográfico es otra cosa. Podría aplicarse la misma observación que en
“Huérfana”: la confusión no es un mérito.
Palabras clave: Psicópata. Padres-hijas.
Violencia. Homosexualidad.
De vacío en el palmarés.
.-
(**) “El infierno” (Emiliano Torres, Argentina-Francia, 2016):
A concurso. Drama. Ópera prima de
Emiliano Torres (Buenos Aires, 1971) debuta en la dirección tras trabajar como
guionista y asistente de dirección. Tibios aplausos en el pase de prensa en el
Teatro Principal.
Lenguaje narrativo clásico. La película
ganó este año Cine en Construcción en Toulouse (por eso es coproducción con
Francia). Es una película seca, dura, muy de paisajes helados y de corazones
también helados. Transmite con acierto una enorme sensación de soledad. Será un
director a tener muy en cuenta en futuros trabajos. Los premios obtenidos
(especial del Jurado y fotografía) son muy razonables. En los títulos finales
puede leerse: “A todos los patagónicos que nos abrieron las tranqueras de su corazón”.
Las tranqueras son las puertas que cierran y abren los vallados.
Palabras clave: Soledad. Ganaderos.
Jubilación. Familia.
Palmarés: Premio especial del Jurado (ex
aequo) y premio a la mejor fotografía (Ramiro Civita)
.-
(**) “El Gigante” (“Jätten” / “The
Giant”, Johannes Nyholm,
Suecia-Dinamarca, 2016):
A concurso. Drama. Ópera prima. Tibios
aplausos en su pase de prensa en el Trueba 1.
Lenguaje narrativo clásico. Si lo
piensas bien es muy simplona, propia de un telefim de
sobremesa. Un discapacitado que utiliza el juego de la petanca como forma de
integración social. La película, que por supuesto se deja ver, encierra una
metáfora que rápidamente se agota: él, en determinadas situaciones de rabia, de
frustración, de dolor, se imagina como un gigante. El final es un tanto forzado
y busca ese punto lacrimógeno marca Spielberg. No entiendo por qué utiliza,
sobre todo al final, una música estilo spaghetti-western tipo Morricone.
Particularmente pienso que el Premio Especial del Jurado le viene grande
(aunque sea ex aequo)
Palabras clave: Discapacitados. Deporte.
Madres-hijos. Soledad. Amistad.
Palmarés: Premio Especial del Jurado (ex
aequo)
.-
(**)“Jesús” (Fernando Guzzoni,
Francia-Chile-Alemania-Grecia, 2016):
A concurso. Aplausos al final en su pase
con público y prensa en el Kursaal 1. Se ha marchado
gente en un punto concreto de la película (cuando le pegan la paliza al
homosexual)
Lenguaje narrativo clásico. Dar las
gracias a quién decidió proyectar la película con subtítulos en español (ver mi
artículo “Babelismo en el cine panhispánico”: http://cinepastor.es/Babelismo.htm).
Es una película oscura, una dura historia de ninis
(no trabaja, no estudia) con secuencias de sexo explícito que se muestran de
forma innecesaria. Ausencia total de la madre (no sabemos nada) y ausencia
parcial del padre (por motivos de trabajo). Hay una secuencia que llama
poderosamente la atención: es de día y estos jóvenes, en vez de ir a estudiar o
a trabajar, están en una discoteca. ¿Qué presente es ese? ¿Qué futuro les
aguarda?...
Palabras clave: Juventud. Violencia.
Homicidio. Crisis. Padres-hijos.
De vacío en el palmarés. Podía haber
recibido sin muchas quejas el Premio Especial del Jurado.
.- (**) “Lady
Macbeth” (William Oldroyd, Gran Bretaña,
2016):
A concurso. Ópera prima. Pase con
público y prensa en el Teatro Victoria. Algunos aplausos al final.
Lenguaje narrativo clásico. Lástima. De
no haber cometido varios e importantes fallos de principiante hubiera podido
obtener fácilmente la Concha de Oro (le dieron el Premio Fipresci).
Es una versión actualizada (en el siglo XIX) del papel de Lady Macbeth de
Shakespeare. Sabemos que fue un personaje cuya ambición por el poder llevó a la
destrucción del marido. En este caso su ambición (movida inicialmente en el
terreno sexual) conducirá a la destrucción de cuántos la rodean. La interpretación de ella es soberbia
(Florence Pugh), la fotografía es excepcional (podía
haber ganado sin problema este premio), la ambientación, el vestuario, los
distintos personajes… todo es muy correcto pero comete, en mi opinión, un fallo
narrativo enorme: las transacciones emocionales son muy bruscas, poco creíbles,
hubiera hecho falta algo más de poso, de reposo, de interiorización de alma de
los personajes, sobre todo de ella. Me explico: pasa muy rápido de ser una
bella joven aparentemente normal, a ser una víbora capaz de asesinar a un niño.
Muy brusco y eso penaliza el conjunto. Tiene algunos planos muy bellos. Una
ópera prima muy a tener en cuenta.
Palabras clave: Adulterio. Infidelidad.
Infanticidio. Amor fou. Mujer fatal.
Palmarés: Premio Fipresci.
.-
(**) “Nocturama” (Bertrand Bonello,
Francia-Alemania-Bélgica, 2016):
A concurso. Algunos aplausos en el pase
general con público y prensa en el Teatro Victoria Eugenia.
Lenguaje narrativo clásico si bien trata
de salirse de la ortodoxia con algunas rupturas temporales, reiteración de la
misma escena desde diferentes puntos de vista o el alargamiento temporal de
algunas secuencias. Trucos muy menores y muy vistos. Ha sido uno de los títulos
más comentados durante todo el Festival por las discrepancias que ha provocado.
El debate en las redes sociales ha sido intenso. Para unos un gran título, para
otros un fraude. Prefiero poner un medio a tantos extremos (Quevedo). Podía
haber ganado la Concha de Oro (y hubiera suscitado gran polémica). En mi
opinión Bille August y el Jurado han sido muy
valientes al no premiarla. Es cierto que a veces es precisamente lo que se
busca en este tipo de Festivales: decisiones arriesgadas que generan polémica,
de las que se habla durante mucho tiempo y que por supuesto ayuda en temas de
taquilla. También el momento actual (con varios atentados terroristas en
Francia) podría suscitar esa pretensión de darle mayor relieve. Aclarar que Bonello empezó en el
Palabras clave: Juventud. Terrorismo.
Violencia. Atentados.
De vacío en el palmarés oficial aunque
extrañamente ha obtenido de forma paralela el Premio Signis
(los antiguos premios OCIC de la Organización Católica Internacional del Cine).
Supongo que esa desorientación de parte de la juventud habrá llevado a este
premio.
.- (**) “Plac Zabaw” / “Playground” (Bartosz M. Kowalski, Polonia,
2016):
A concurso. Drama basado en hechos
reales. Ópera prima de Bartosz M. Kowalski
(Gdynia, Polonia, 1984). Pase de prensa en el Trueba
1. Algún aplauso aislado y mucha gente que ha abandonado la sala al llegar a la
secuencia final. Tengo entendido que en el Kursaal 1
cuando se proyectó posteriormente hubo deserciones masivas entre el público. Se
hablaba de que eso se recordaría en los años venideros.
Lenguaje narrativo clásico si bien rueda
al final un eterno plano que ha provocado mucha controversia. Llegaba a esta
película sin conocer su historia y me he encontrado con una adaptación de la
terrible historia del secuestro en Liverpool de un niño pequeño por parte de
dos niños en un centro comercial y su posterior asesinato. Guarda evidentemente
mucha relación con “Nocturama”: en “Playground” nos encontramos con los adolescentes que años
más tarde pondrán bombas en París. El penúltimo plano ha suscitado mucho debate
posterior: es un plano fijo de unos 10 minutos cuado el pequeño es brutalmente
asesinado. El debate ha girado en torno a la distancia a la que se mantiene la
cámara (unos
Palabras clave: Violencia. Juventud.
Infanticidio. Malos tratos. Adolescencia.
De vacío en el palmarés.
.-
(***) “Que Dios nos perdone” (Rodrigo Sorogoyen,
España, 2016):
A concurso. Thriller inspirado en
sucesos reales. Pase de prensa en el Teatro Principal. Lleno hasta los topes.
Aplausos generales.
Lenguaje narrativo clásico. Excelente.
Da la sensación que el cine español tiene ahora mismo magníficos directores y
guionistas que han sabido digerir las técnicas del thriller
estadounidense en sus aspectos más positivos. Algunos acusan a estas
producciones de meros calcos de las producciones americanas pero, en mi
opinión, mientras el producto final sea digno, se genere industria y taquilla,
y permita crear, mantener y desarrollar cantera, me parece muy lícito. De
siempre ha habido esos trasvases entre diferentes cinematografías: el
neorrealismo italiano y su huella en el cine español, la nouvelle
vague, el cine negro, etc. Evidentemente siempre nos han influido más a
nosotros que nosotros a ellos (algo de Buñuel y el surrealismo, algo de Almodóvar, esa
picaresca tan típicamente española…). Una película con un inicio igualmente
estilo “Seven” (como “Cólera”), un desarrollo muy
correcto y un desenlace un tanto forzado. Mezcla muy bien las situaciones
previsibles con las imprevisibles. De hecho le dieron el premio al mejor guión
(Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen). Recuerda por
momentos a lo mejor de “El silencio de los corderos” (incluida escena en
completa oscuridad), manteniendo muy bien esa angustia por conocer al asesino.
Las interpretaciones de todos los actores son magníficas, ese Antonio de la
Torre con su tartamudeo, esa visceralidad de Roberto
Álamo que en mi opinión debería haber ganado la Concha de Plata al mejor actor.
Todo el conjunto es muy bueno y no hubiera sido descabellado que la película
hubiera obtenido la Concha de Oro… Atresmedia y
Tornasol (Gerardo Herrero) en la producción. "Que Dios me perdone" es
el título de un preciso fado portugués (https://youtu.be/hevVkqD7-b8).
Palabras clave: Psicópatas. Violencia.
Vejez. Madres-hijos.
Palmarés: Premio al mejor guión.
.-
(**) “La reconquista” (Jonás Trueba, España, 2016):
A concurso. Pase con público general y
prensa en el Teatro Victoria. Tibios aplausos.
Lenguaje narrativo clásico con trampa
temporal, va del presente al pasado. Deliberadamente desequilibrada. No por
llevar el apellido Trueba se tiene que saber hacer cine y esta es ya su cuarta
película. “La reconquista” ha suscitado también bastantes discrepancias. Unos la
defienden (no a muerte) y a otros no nos convence. Ya sabemos que muchas veces
las películas hay que digerirlas, dejarlas reposar y volver a verlas al cabo de
un tiempo, también sabemos que muchas veces las primeras impresiones son las
que cuentan y prevalecen. La historia es la de un corto inflado hasta el
absurdo. La película termina varias veces: cuando él pasea por Madrid
amaneciendo, cuando está con su novia actual y cuando retrocedemos a la
adolescencia (con el origen de la carta). Toda esa parte de la novia actual y
de la adolescencia no aporta nada narrativamente. La película bebe falsamente
de referencias cinematográficas artificialmente expuestas: algo de Nani Moretti, algo de Eric Rohmer,
algo de Richard Linklater… Sobran igualmente varias
actuaciones musicales del cantautor donostiarra Rafael Berrio (interpreta un
tema completo y dos medios temas), aparte de otros números musicales. El
director admite haber sido muy consciente de eso y asumir su “pecado”. No me
cabe duda que Jonás Trueba debería rodar un documental sobre este músico. En el
apartado de actores, Francesco Carril me parece particularmente insulso, ya
sabemos que su aspecto físico va en consonancia con el papel que asume, pero
resulta demasiado plano. Ella (Itsaso Arana) encaja
mejor en su papel. Destacar a Aura Garrido que está magnífica en su pequeña
aparición.
Palabras clave: Juventud. Adolescencia.
Pareja. Músicos. Cantautores.
De vacío en el palmarés (y no me
extraña)
.- (**) “Yo no soy Madame Bovary” (“Wo Bu
Shi Pan Jinlian” / “I Am Not Madame Bovary”,
A concurso. Comedia dramática. Pase de
prensa en el Trueba 1. Ningún aplauso. Feng Xiaogang
(Pekín, 1958).
Lenguaje narrativo clásico si bien
utiliza de forma extraña los ratios de pantalla. Casi toda la primera parte es
un plano circular. Crees al principio que lo va a quitar tras alguna secuencia
inicial, pero no, lo mantiene gran parte del metraje. Luego cambia a un plano
en cuadrado, luego vuelve al circular, luego vuelve al cuadrado y finalmente
finaliza con un plano normal horizontal bellísimo. Según explicó el director
era el círculo es un guiño al arte de la dinastía Song.
La fotografía es, en algunos momentos, excepcional. Hay algunos planos
bellísimos (en circular cuando Liam y Doru han hecho el amor, casi violación, y amanece). Le
sobran, como a otras muchas, 40 minutos y le falta agilidad narrativa. La
historia es curiosa: una mujer divorciada de mentira que quiere anular ese
divorcio para luego divorciarse de verdad. Tiene mucho de drama pero yo creo
que prevalece ese tono de comedia global con toques surrealistas (el intento de
suicidio de ella o las referencias absurdas a la vaca). La actriz Fan Binbing es toda una celebridad en China. Por un lado
quieren mostrarte que los dirigentes chinos ayudan a sus ciudadanos, se
preocupan por ellos y tratan de solucionarle los problemas, pero en realidad
fracasan. Ella está en un estado de insatisfacción permanente. No se conforma,
quiere una solución satisfactoria y choca una y otra vez contra un muro de
incomprensión. De hecho parece ser que la película está teniendo problemas en
China. De alguna manera la Concha de Oro le servirá de respaldo. La mención que
se hace de Madame Bovary en el título en inglés corresponde al personaje de Pan
Jinlian en la literatura china. Buscaron ciertas
semejanzas entre ambas mujeres.
Palabras clave: Divorcio. Política.
Engaños.
Palmarés: Concha de Oro a la mejor
película y Concha de Plata a la mejor actriz (Fan Binbing)
.- (**) L’Odyssée / The Odyssey (Jérôme
Salle, Francia-Bélgica, 2016):
Clausura la Sección Oficial fuera de
concurso, estreno mundial. Drama biográfico. Aplausos en el pase de prensa en
el Teatro Principal.
Lenguaje narrativo clásico. Retrato de
Jacques Cousteau y de su familia. La Sociedad Cousteau no intervino en la
película, de alguna manera el director manifestó que quería mantener cierta
independencia y evitar la intromisión familiar. La historia está bien narrada,
tiene imágenes bellísimas (como no podía ser de otra manera) y creo que muestra
con acierto la personalidad, un tanto complicada, de Cousteau. Lo mejor sin
duda el papel que interpreta Audrey Tautou como
abnegada esposa y verdadera comandante del Calypso.
Palabras clave: Naturaleza. Muerte de un
hijo. Exploradores. Mar. Océano. Submarinismo.
.-(*) “Manda huevos” (Diego Galán, España,
2016):
Documental. Aunque se presenta dentro de
la Sección Oficial corresponde a una proyección especial fuera de concurso.
Cine Principal. Pase de prensa. Algunos aplausos que no comparto.
¿Quién le ha dicho a Carmen Machi que es
narradora de documentales? Sin duda alguna es una excelente actriz pero de ahí
a narrar documentales hay un trecho. Sabemos que no es algo nuevo (Francisco
Rabal, Fernando Rey, y otros muchos/as
pusieron voz a varios) y también sabemos que es muy normal que actores
americanos, ingleses, presenten documentales. Evidentemente es un mero gancho
comercial. Es un documental fallido que recurre a consabidos tópicos.
Teóricamente pretende mostrarnos cómo el cine español ha mostrado a los
personajes masculinos, pero se limita a la educación de los curas, la
orientación a lo militar, las gestas heroicas, ya sea en la guerra civil o en
la época del Imperio Español, el fútbol, el turismo y las payasadas de Landa y
compañía. Utiliza la excusa de mostrar de forma sesgada el papel del hombre en
el cine español para hacer una radiografía, también sesgada, de la época de la
dictadura. Mezcla con desatino películas antiguas con películas más recientes.
Se supone que es un documental con cierto rigor histórico y lo que es en
realidad es un popurrí de decenas de películas de las que se ha extraído, de
forma claramente manipuladora, determinadas secuencias. El tono irónico, burlón,
de Carmen Machi ayuda a esa intencionalidad. Me recuerda a ese documental de
Corea del Norte donde, si el director-guionista quiere, puede mostrarnos Corea
del Norte como un falso paraíso (ver “Bajo el sol” http://cinepastor.es/Documenta2016.htm).
No incorpora ninguna entrevista a historiadores, directores, actores-actrices,
guionistas… todo vale. Afirmo que yo podría hacer igualmente un falso
documental donde se muestre al hombre español en el cine como un hombre atento,
educado, trabajador, honesto, preocupado por su familia, por el bienestar
social, etc. Evidentemente sería tan falso como “Manda huevos”. Ya sabemos que
Diego Galán fue durante años director del Festival de San Sebastián y evidentemente
la producción de Enrique Cerezo y de Agustín Almodóvar (El Deseo) pesan mucho. Lo que me duele particularmente es que muchos
no se atreven a decir en voz alta que el rey va desnudo.
Hay un momento determinado que debo
destacar y que mencionaba al principio en “El hombre de las mil caras”. En
“Manda huevos” se refiere a ETA como banda armada en vez de como grupo
terrorista,… es lo mismo pero no es lo mismo. Una banda armada puede ser un
grupo de atracadores de bancos, un grupo terrorista es otra cosa. Las palabras
no son inocuas.
.-
(**) “Colossal” (Nacho Vigalondo, Canadá, 2015):
Sección Oficial fuera de concurso.
Ciencia-ficción. Pase de prensa en el Principal. Bastantes aplausos finales. Se
percibía en la sala que estaba gustando.
Cuarto largometraje del director
español. Es, ante todo, una historia muy original que guarda bastante relación
con “Un monstruo viene a verme”. Todos creamos nuestros propios monstruos, ya
sea el alcoholismo, el miedo a la soledad, los maltratos, la vejez o el miedo a
enfrentarnos a una enfermedad. Es una mezcla de ciencia-ficción y drama, con
toques propios de las películas japonesas de monstruos (kaiju)
y robots. De ahí la originalidad. Nadie podrá acusar a Vigalondo de no ser, al
menos, diferente y divertido. Al inicio aparece el título de “Colossal” en letras pequeñitas con una música grandilocuente
(toda una declaración). Es la primera vez que se proyecta esta película en
España tras su pase por Toronto donde fue recibida, como no podría ser de otra
forma, con disparidad de críticas. Lo raro es que no haya ido a Sitges a
concurso donde estoy seguro que habría obtenido mayor reconocimiento. Es una de
las películas donde más he visto que se beba (casi, casi como en “Días de vino
y rosas”)
Palabras clave: Monstruos. Alcoholismo.
Robots. Infancia.
.-
(***) “Un monstruo viene a verme” (Juan Antonio Bayona, España, 2016):
Sección Oficial fuera de concurso.
Drama. Proyección especial Premio Donostia Sigourney Weaver. Pase de prensa
en el Teatro Principal lleno hasta los topes. Aplausos generales. Se percibía
emoción en la sala y son muchos los que declararon haber llegado a las
lágrimas.
Lenguaje narrativo clásico. Bayona, ese
pequeño gran hombre, vuelve a realizar una película de impecable factura
técnica y lo más importante, con grandes dosis de sensibilidad. Repleta de
efectos especiales y de efectos emocionales. Al igual que en “El orfanato” o en
“Lo imposible”, la película se centra en personajes de niños y sus lazos
maternos. Hay padre pero casi como un personaje secundario que no aporta nada.
Una historia muy emotiva, narrada con gran acierto. Afirma Bille
August que las buenas películas se ven con el corazón y esto es lo que le
sucede a “Un monstruo viene a verme”. Hay dos secuencias de animación que
corresponde a dos historias que son auténticas joyas. Individualmente, fuera de
la película, ganarían cualquier premio. La película globalmente está muy bien,
pero esas dos microhistorias, que están perfectamente encajadas en la
narración, sobresalen especialmente. La banda sonora de Fernando Velázquez es
extraordinaria. La fotografía de Óscar Faura, los
efectos especiales (Liam Neeson
como “monstruo”) todo es de primer nivel. Gracias Bayona por esta película.
Gracias Patrick Ness por esta bella historia. Efectivamente el cáncer y el
afrontar el cáncer es un gran monstruo.
Palabras clave: Monstruos. Cáncer.
Madres-hijos. Infancia.
Le concedieron una mención especial de
los Premios Signis.
.-
(**) “Snowden” (Oliver Stone, USA-Alemania-Francia,
2016):
Sección Oficial fuera de concurso. Estreno europeo. Drama
basado en hechos reales. Aplausos en su pase de prensa del Teatro Principal.
Lenguaje narrativo clásico. Oliver Stone
en su línea habitual. Producto de impecable factura técnica, con buena historia
que roza el thiller. Edward Joseph Snowden reside en la actualidad
en Rusia. Fue y es un cerebrito informático que trabajó para la NSA (Agencia
Nacional de Seguridad) y para la CIA diseñando programas de recopilación de la
información. En 2013 hizo público miles de documentos de la seguridad
estadounidense. Su intención era mostrar que el gobierno americano espiaba a
toda la población (y a mandatarios extranjeros) sin ningún tipo de
discriminación (todos los correos, las llamadas, todas las redes sociales). En
teoría como defensa ante posibles ataques terroristas.
En la película de Stone se habla de Bill Binney del
que pude ver el excelente documental “A good american” en Documenta 2016: http://cinepastor.es/Documenta2016.htm.
Hay que diferenciar lo que ambos trabajos exponen:
.-
en “Snowden” lo que le parece mal es que el gobierno
espíe a todo el mundo sin ningún tipo de filtro previo.
.-
en “A good american” lo que
se propone es un filtro a toda la información que se recibe para focalizar
correctamente las posteriores actuaciones. Es decir no se cuestiona que se
espíe a todo el mundo, lo que plantea es la forma eficaz de filtrar la
información. Y en el fondo lo que plantea este documental es un tema de
corrupción dentro de la NSA al tratar de favorecer a otras empresas.
El
debate lleva tiempo planteado: privacidad frente a seguridad. Unos prefieren
renunciar a su privacidad a cambio de mayor seguridad. Otros prefieren que haya
más seguridad sin renunciar a su privacidad. Quizás sea un argumento falso que
utilizan los gobiernos para tenernos más controlados. Supongo que habrá, como
en todo, grandes mentiras y pequeñas verdades.
Palabras
clave: Espías. Terrorismo. CIA. NSA. Privacidad. Informática.
.-
(o) “Bigas x Bigas” (Bigas Luna, director adjunto Santiago Garrido Rúa, España,
2016):
Sección Oficial fuera de concurso,
proyección especial. Documental. Pase de prensa en el Principal con pocos
asistentes. Algún aplauso aislado al final
Lenguaje narrativo que trata de ser
“moderno” pero deriva en una auténtica tomadura de pelo. No hay por donde
salvarlo. Sabíamos que era un “diario” en imágenes de Bigas
Luna rodadas entre el 2000 y el 2007 y que en teoría grabó esas imágenes
exclusivamente para su ámbito familiar, no para que fueran exhibidas en
público. El resultado no tiene ni el más mínimo interés cinematográfico. Sólo
tiene un interés absolutamente personal para su familia como documento íntimo.
No vale todo. No es de recibo montar un documental con este material: Bigas haciendo un huerto, Bigas
haciendo pan, Bigas sacando planos de su perro
“Pirata” y así todo. Evidentemente no es un documental del tipo “historiografía
cinematográfica” pero resulta tan banal, tan pueril, tan simplón que me causa
vergüenza ajena. Bigas Luna merecía mejor testamento
fílmico. Es lo peor que he visto en todo el Festival.
.- “Kimi no Na wa” / “Your Name”
(Makoto Shinkai, Japón,
2016):
Sección Oficial fuera de concurso,
proyección especial. Animación. Es la única película de la Sección Oficial que
no he podido ver,
.-
(**) “Vivir y otras ficciones” (Jo Sol, España, 2016):
Sección Oficial fuera de concurso, proyección
especial. Documental. Pase de prensa en el Teatro Principal. Asistencia
inferior a lo habitual. Algunos aplausos al final.
Lenguaje narrativo clásico. Una mezcla
de aquellos programas de los ochenta de Tve
"Vivir cada día" y los actuales "Documentos Tv".
La historia de Antonio, un hombre joven que tuvo un accidente y que ahora
utiliza una silla de ruedas. Presenta graves limitaciones físicas pero él
intenta seguir adelante. Luego está Pepe (el entrañable personaje de "El
taxista full"). Pepe presenta graves limitaciones psicológicas, estuvo en
un psiquiátrico y extraña al hijo ausente. Teóricamente Pepe ayuda a Antonio en
casa de éste pero en realidad los dos se están ayudando mutuamente. A su
alrededor otras vidas que igualmente necesitan de la ayuda, del apoyo. Es un
documental de gran sensibilidad aunque le falta algo más consistente. A veces
me pregunto quiénes son los discapacitados: ¿los ciegos? ¿Los que van en silla
de ruedas?.... ¿o realmente son aquellos que han tirado la toalla, que ya no tienen
deseos por vivir, por seguir luchando en esta vida?... De los tres documentales
que he podido ver es sin duda el mejor.
Palabras clave: Discapacitados. Sexo.
Padres-hijos. Soledad.
PERLAS
DE OTROS FESTIVALES
.-
(**) “Neruda” (Pablo Larraín,
Chile-Francia-Argentina-España, 2016):
Pase de prensa en el Teatro Principal.
Algunos aplausos. Drama
Se presentó en Cannes 2016 en la
“Quincena de realizadores”. Lenguaje narrativo que trata de buscar originalidad
con un truco de guión que a mí, particularmente, me deja frío distanciándome de
la historia. La pregunta a la que se responde el guionista y el director es
¿cómo contar la huida de Neruda de Chile de forma diferente, de forma
heterodoxa? Y la respuesta es un truco, un engaño de guión donde se mezcla el
personaje del policía inventado por la propia imaginación del poeta. Por cierto
Gael García Bernal no encaja físicamente en ese perfil de sabueso policía. No
me lo creo. Es como aquellos directores que para hacerse notar, juegan
continuamente con la cámara. Aquí es el guionista, que para hacerse notar,
retuerce el guión de forma absurda. Y por supuesto con la complicidad del
director. Afirma Larraín que “Neruda es como las muñecas rusas, que conforme se
van abriendo aparece otra en su interior”, lo malo es cuando esas “muñecas” que
vas descubriendo no te aportan, ya sea narrativamente o emocionalmente, nada.
No era necesario realizar un biopic al uso pero
tampoco es necesario erigir un batiburrillo de imágenes, pretendidamente
poéticas, líricas, que te alejan del relato. A veces el exceso de una
pretendida originalidad puede ser tan malo como la ortodoxia más lineal (o no).
Es una coproducción con la participación de TVE. Seleccionada por Chile para
los Oscars.
Palabras clave: Poesía. Escritura.
Literatura. Política. Comunismo. Exiliados.
.- (***) “
Pase de prensa en el Teatro Principal.
Aplausos. Comedia dramática basada en hechos reales.
Lenguaje narrativo absolutamente clásico
(e incluso utiliza cortinillas). Deliciosa. Se desarrolla en 1944, en Nueva
York, donde Florence inauguró hacía 25 años el Club Verdi. Allí se reúnen para
montar “cuadros” teatrales, actuaciones musicales, recitar teatro, etc. Suele
acudir gente de la alta sociedad, muy mayores y sobre todo, muy unidos
sentimentalmente a Florence. Las interpretaciones de Meryl Streep, de Hugh
Grant, de todos, son fabulosas. Es una película como las de antes en el mejor
sentido de la frase. La historia real, la fotografía, la ambientación, el
vestuario,… todo es delicioso. Uno de los mejores momentos en todo el Festival.
Palabras clave: Cantantes. Música.
Ópera. Fracaso. Éxito.
.-
(***) “Frantz” (François Ozon,
2016, Francia-Alemania):
Visioné esta película en Madrid en los
pases previos que la distribuidora Golem hizo en sus cines de
la C/ Martín de los Heros. Drama.
Lenguaje narrativo clásico si bien
utiliza un recurso en materia de fotografía, mezclando secuencias en blanco y
negro con secuencias en color. Se presentó en Venecia. Es un remake de "Broken Lullaby"
de Ernst Lubitsch, una producción de 1932 conocida en España con el título de
“Remordimiento”. De las mejores películas que he visto en los últimos tiempos.
Tiene ese aire de cine clásico con secuencias memorables. Los sentimientos de
los personajes están perfectamente trazados. Sabes, sin palabras, por una
mirada, por un gesto, qué es lo que están sintiendo. Compartes el dolor,
compartes el sufrimiento de esos padres por el hijo muerto, por ese Frantz
ausente físicamente que da título a la película, pero que está emocionalmente
muy presente. CINE con mayúsculas. Ozon sigue
demostrando que es uno de los directores actuales más notables.
Palabras clave: Guerra. Perdón.
Mentiras. 1 guerra mundial.
.-
(**) “El porvenir” (Mia Love.
Francia, 2016):
Teatro Principal. Pase de prensa.
Aplausos al final. Drama. Se presentó en Berlín 2016.
Lenguaje narrativo muy clásico. Empieza
con el título de la película sobre la tumba de un escritor francés que vino a
oír el mar y el viento. Toda una declaración al poner en el mismo plano la
tumba y la palabra “porvenir”. Isabelle Huppert está como siempre magnífica. Ella es profesora de
filosofía y ha escrito libros sobre el tema. Se supone que al principio todo
está en orden pero poco a poco se va desmoronando su vida: el divorcio, la
muerte de la madre, la editorial empieza a pasar de sus libros a favor de
postulados más de marketing (más modernos), la hija se ha ido de casa y tendrá
un niño. Es decir va quedando cada vez más libre pero sin embargo parece más
estancada. Ha ido rompiendo ataduras y aparentemente recuperando su libertad.
La secuencia final con el nieto recién nacido viene a cerrar esta etapa de su
vida y a abrir una nueva. Así es la Vida. Me sobra toda la parte verbal sobre
debates filosóficos.
Palabras clave: Profesoras. Divorcio.
Adulterio. Familia. Libertad.
.-
(***) “Elle” (Paul Verhoeven,
Francia, 2016):
Se presentó a concurso en Cannes donde
no obtuvo ningún reconocimiento. Pase de prensa en el Teatro Principal. Muchos
aplausos. Thriller.
De lo mejor que hemos visto. Una
película enfermiza, muy estilo Brian de Palma-Michael Haneke.
Creo que a Alfred Hitchcock le hubiera encantado. De alguna manera está
relacionada con “Instinto básico” (también de Paul Verhoeven) con la que comparte un morbo sexual muy
explícito. Está basada en una novela de Philippe Djian
"Oh..." que habría que leer
ineludiblemente. De nuevo Isabelle Huppert magnífica. Es una historia terrible de violencia,
violaciones, vecinos psicópatas, etc. El director mezcla muy inteligentemente
unas perlas de humor negro que suelta Michelle (Huppert)
con las que nos hemos reído todos y que nos sirve de pequeñas válvulas de
escape. Alrededor del personaje de Elle van destapándose un montón de historias
(la vecina supercatólica, el pelele del hijo, la
socia en la empresa de videojuego, el padre asesino de ella….) todos ellos
personajes con una identidad propia que encajan perfectamente en el conjunto.
Me ha encantado.
Palabras clave: Violación. Violencia.
Vecinos. Psicópatas. Videojuegos.
.- (**) "Yo, Daniel Blake" (“I, Daniel Blake”, Ken Loach, GB-Francia, 2016)_
Aplausos en el Teatro Principal en pase de
prensa. El nivel de Cannes tuvo que ser muy bajo si esta película obtuvo la
Palma de Oro. El Jurado de Cannes estaba presidido por George Miller y el
palmares fue muy criticado. En San Sebastián ha obtenido el Premio del Público
lo cual me parece una exageración. Drama.
Lenguaje narrativo clásico. Un guión de Paul Laverty (como suele ser
habitual en Ken Loach) que se centra en un hombre
mayor (Daniel Blake) que de repente se ve encerrado en un bucle kafkiano con la
administración inglesa. Sufrió un infarto, su doctora le dice que no puede
trabajar, solicita la incapacidad pero no se la dan, solicita el paro pero
tiene que justificar que está buscando trabajo y cuando encuentra un trabajo
tiene que decir que según su doctora no puede trabajar… Descubrimos que en Gran
Bretaña pasan las mismas cosas que en España, donde millones de personas se ven
atrapadas en absurdos burocráticos de papeleos, demandas, revisiones,… en
definitiva, de injusticias sociales. El inicio de esta película es muy bueno
con esa conversación telefónica con una operadora que más que un ser humano
parece una computadora. El guión avanza
atropelladamente con secuencias muy forzadas y con otras no desarrolladas
convenientemente. Todo se precipita hacia un desenlace previsible. Una película
socialmente muy necesaria en los tiempos actuales.
Palabras clave: Paro. Hambre. Crisis.
Burocracia. Infartos.
.-
(**) “Fuego en el mar” (“Fuocoammare”, Gianfranco Rosi, Italia-Francia, 2016):
Aplausos en el Teatro Victoria Eugenia
en pase general con público y prensa. Documental.
Oso de Oro en Berlín 2016 siendo
presidenta del Jurado Meryl Streep. En realidad es un documental donde el 80%
del metraje está dedicado a la crisis de los refugiados que llegan a la isla
italiana de Lampedusa y el 20% restante es la vida de un niño pequeño al que
vemos con su familia, en el barco de pesca de su padre, jugando con un amigo y
secuencias similares. Lo que el director pretende es hacernos ver que mientras
en el mar se está desarrollando una auténtica tragedia la vida en tierra
continúa en su cotidianeidad: la abuela haciendo la cama mientras recogen
refugiados en lanchas, el niño jugando con su tirachinas mientras a escasos
kilómetros la gente muere. La parte del niño se hace un tanto pesada,
aparentemente no aporta nada, pero la intención es esa (por cierto que alguien,
por favor, le diga a ese niño que no se hace ruido al comer: es espantoso como
“absorbe” los espaguetis).
Es la película seleccionada por Italia
para los Óscars y no me extrañaría nada que ganase.
.-
(**) “Después de la tormenta” (“Umi yorimo mada fukaku”
/ “After the storm”, Hirokazu Koreeda, Japón, 2016):
Aplausos en el Teatro Principal. Estuvo
en Cannes en “Un certain regard”.
Drama
Lenguaje narrativo clásico. De nuevo
este director japonés nos presenta un retrato sobre la familia, con sus
miserias y sus alegrías. Hay mucho de autobiográfico. Un escritor fracasado y
divorciado que sigue enamorado de su mujer. Teóricamente ejerce de detective
para documentarse para su próximo libro pero en realidad es una excusa para
poder ganar algo y pasar la manutención de su hijo siempre. Trata de salir de
ese agujero apostando lo que gana, jugando a la lotería pero siempre sin
resultado. El personaje de su madre (la abuela) es fabuloso, cargado de una
enorme sabiduría. Una película muy agradable de ver, de sentir.
Palabras clave: Divorcio. Detectives.
Escritores. Familia.
.-
(***) “Sieranevada” (“Sieranevada”,
Cristi Puiu, Rumanía,
2016):
Aplausos en su pase del Teatro Victoria
Eugenia con público y prensa. Drama
Lenguaje narrativo heterodoxo con largas
secuencias en plano único, acciones fuera de campo, planos meramente
expositivos de situaciones no narrativas. De haberse presentado a concurso en
San Sebastián hubiera sido una excelente Concha de Oro. Dura casi tres horas
pero en ningún momento se hace pesada, larga. Una película que tiene mucho que
ver con Luis Buñuel, “El ángel exterminador” y “El
discreto encanto de la burguesía”. Su inicio te despista un poco al mostrarte
durante varios minutos un mismo plano, que se mueve en panorámica, de una
escena en calle muy trivial. Te hace preguntarte si el director no está
confundiendo lo que es la vida con lo que es el cine. Sin embargo este inicio
un tanto descorazonador cambia en el momento en que la familia se reúne en casa
para celebrar un acto religioso. Durante casi tres horas asistimos a sus
disputas familiares mientras intentan empezar a comer, un acto físico
aparentemente sencillo pero que resultará enormemente complicado. El escenario,
salvo un par de secuencias en el exterior, es casi único: el piso donde
continuamente entran, salen, abren puertas, cierran puertas… (Alguien bromeó
sobre si era el camarote de los Hermanos Marx).
La cámara intenta seguir las diferentes situaciones que se van dando: en
el pasillo, en la cocina, en el salón,… hay momentos muy logrados donde hasta
la cámara parece perdida sin saber muy bien qué mostrar. Desde luego el trabajo
del director, del operador y sobre todo de los actores es magnífico.
Seleccionada por Rumanía para los Oscars.
Palabras clave: Familia. Malos tratos.
Religión.
.-
(***) “La llegada” (“Arrival”, Denis Villeneuve, USA, 2016):
Clausura la sección de Perlas. Fue a
concurso en Venecia 2016 donde no obtuvo ningún reconocimiento.
Ciencia-ficción. Los aplausos y expresiones de satisfacción más grandes que he
vivido en todo el Festival. Pase de prensa en el Teatro Principal, lleno hasta
los topes, gran expectación previa que no ha defraudado.
Lenguaje narrativo clásico. Excelente.
De lo mejor que he visto en los últimos años en el terreno de la
ciencia-ficción. Es una mezcla de “Contact” con “Encuentros en la tercera
fase”. Una película que en primer lugar es imprescindible verla en sala de cine
y en pantalla grande (nada de esas micro-pantallas en micro-cines).
Todo, o casi todo, encaja de forma maravillosa: la historia, los actores, la
ambientación, la fotografía, la banda sonora con sus efectos,… con una única
pega: en mi opinión el diseño de los alienígenas no es
convincente. Está basada en un relato corto de Ted Chiang “La historia de tu
vida” que desarrolló como guión Eric Heisserer de
forma muy inteligente. En su inicio de apenas dos-tres minutos hay más cine que
en muchas películas de hora y media. El desarrollo es muy bueno y el desenlace
te deja boquiabierto. El director y el guionista, a través del montaje, saben
tratar al espectador con respeto, soltando poco a poco los elementos que
necesitas para entender correctamente la historia. No está a la altura de esa
joya del cine que es “Blade Runner” (ya veremos que hace Villeneuve con la secuela)
pero es una película de ciencia-ficción (o de ficción científica como diría
Borges) muy notable.
Palabras clave: Alienígenas.
Extraterrestres. Humanidad. Futuro. Lenguaje.
ZABALTEGI-TABAKALERA
.-
(***) “Historia de una pasión” (Terence Davies, GB-Bélgica, 2016):
Festival de Berlín a concurso. Visioné
esta película en Madrid en los pases previos que la distribuidora Golem hizo en
sus cines de la C/ Martín de los Heros.
Drama.
Lenguaje narrativo clásico, de una gran
pureza visual. Gran película que me recuerda en muchos momentos a los dos
Bergman (director y actriz) y en especial a “Gritos y susurros”. La actuación
de Cynthia Nixon como Emily Dickinson es excepcional.
La fotografía, la ambientación, la banda sonora, el vestuario, la belleza de
los encuadres, la suavidad de los movimientos de cámara, las elipsis
temporales, y por supuesto la historia que nos relata. Forma y fondo que
constituyen un todo único de gran calidad cinematográfica. Terence Davies hace
tiempo que alcanzó la categoría de Maestro. Casi toda la película se desarrolla
en un escenario único: la mansión en que vivió en Massachusetts.
Palabras clave: Escritoras. Familia.
Soltería. Religión. Adulterio.
PROYECCIÓN
ESPECIAL PREMIO DONOSTIA (Ethan Hawke)
.-
(*) “Los siete magníficos” (“The magnificent seven”, Antoine Fuqua, USA,
2016):
Teatro Principal. Pase de prensa.
Algunos aplausos. Western. Control intensivo de vigilantes privados para evitar
el pirateo de imágenes (¡buenos son los americanos!)
Lenguaje narrativo clásico. Remake de una versión estadounidense (muy buena) de una
película japonesa (excepcional). Inútil remake de un remake, eso sí, con
Palabras clave: Violencia. Caciques.
Pistoleros. Minas.
JACQUES
BEQUER
Y como
colofón del Festival pude disfrutar de algunos de los títulos de la
retrospectiva de este director francés (1906-1960). Un soplo de aire viejo muy
necesario para quitarnos de encima tanta violencia y tanta “modernidad”.
.-
(*) “Le commissaire est bon enfant, le gendarme est sans pitié”
(Pierre Prévert y Jacques Becker, Francia, 1935). En español
se ha traducido con el título de “El comisario es un buen tipo”. Cortometraje
de 40 minutos. Es una comedia bastante insulsa basada en una obra teatral de Courteline. Evidentemente corresponde a su periodo de
formación como cineasta. Se limita a un grupo de variopintos personajes que
visitan al comisario en su despacho: un hombre que se ha encontrado un reloj,
una mujer que dice que su marido está loco, un borracho español (Santiago Ontañón) al que no atiende y finalmente al propio loco (el
marido de la mujer) que encierra al comisario en el despacho. Tiene bastante de
humor absurdo pero es un trabajo muy menor.
.-
(**) “Alí-Babá y los cuarenta ladrones” (“Ali-baba”,
Jacques Rivette, Francia-Italia, 1954). Comedia
simpática al servicio de Fernandel y trabajo de
encargo para Becker. El Eastmancolor es maravilloso y
la calidad de la copia proyectada perfecta, supongo que será un DCP. Curiosa
versión del cuento donde se nota la mano de Cesare Zavattini en el guión (el
tesoro es finalmente repartido entre miles de pobres). En los rótulos finales
pone que 30 escenas se han rodado en relieve. Asistente Jacques Rivette.
.-
(***) “Las aventuras de Arsenio Lupin” (Jacques Bequer, Francia-Italia, 1957):
Technicolor. Deliciosa. Una comedia de
ladrones contada de forma magistral. Tiene varias secuencias maravillosas (los
robos de los cuadros, las joyas). Una dirección invisible, no percibes la
cámara, estás “dentro” de la película acompañando a sus personajes. Respeta
fielmente el desarrollo clásico de presentación, desarrollo, nudo y desenlace.
El final es perfecto (ya quisieran muchas películas actuales tener estos
finales tan rotundos)
.-
(****) “Los amantes de Montparnasse” (1958): Era un proyecto de Max Ophuls que Jacques Becker hereda a su muerte y al que
dedica la película ("Dédiée à la mémoire de Max Ophuls"). No
responde con exactitud a la vida de Modigliani pero
ya lo avisan al principio. Narración perfecta, no hay nada que chirríe. De
nuevo tenemos a un director invisible que no hace alardes técnicos ni
narrativos para hacerse notar, no le hace falta. Es la historia lo que
prevalece sobre falsos artificios. A destacar esa secuencia de la actuación de
un grupo de jazz en un local de París (estamos en 1919). Y de nuevo un gran
final. Gran CINE.
.-
(*****) “La evasión” (“Le trou”, 1960,
Francia-Italia): Joya del cine y en su momento fracaso comercial y de
crítica. El testamento de Jacques Becker, su última película y una obra
maestra. Fue estrenada poco después de la muerte de Jacques Becker y la terminó
su hijo. Es absolutamente perfecta. Al igual que en otras películas anteriores
la dirección es invisible, dotando a la puesta en escena de un gran
verosimilitud. Un hecho real de 1947, que José Giovanni (uno de los
participantes en la fuga real) publicó como novela en 1957. Llama la atención
que cada unos de los actores que hacen de presos presentan rasgos físicos (y
psicológicos) muy diferenciados evitando de esta forma cualquier confusión en
el espectador. Parece algo baladí, pero sin embargo, en muchas producciones
actuales los rasgos son a veces tan homogéneos, tan neutros, que generan esa
confusión. Curiosamente otro efecto de esta gran película es la empatía que
generan estos delincuentes con los espectadores. Sabemos que están en prisión
preventiva y que serán condenados a más de 10 años (según sus propias
estimaciones). No conocemos el delito del que se les acusa (a excepción del
joven y último en llegar Gaspard). Es muy posible que
fueran delitos muy graves y aún así, estamos en todo momento con ellos: cavamos
con ellos, comemos con ellos, vivimos con ellos en esa pequeña celda, y por
supuesto estamos deseando que logren escapar. Pocas veces te pones del lado de
los malos con tanta ligereza. Y de nuevo un gran final.
