SEMANA INTERNACIONAL DE CINE DE VALLADOLID

22 AL 29 DE OCTUBRE DE 2016

61 SEMINCI

 

 

Buen nivel ha mostrado este año la Seminci que sigue bajo la dirección de Javier Angulo. Vista la totalidad de los largometrajes de la Sección Oficial puedo afirmar que, al menos en esta edición, la calidad de las obras exhibidas en Valladolid supera a las presentadas en el Festival de San Sebastián celebrado en septiembre. En ningún caso ha habido un título extraordinario que sobresalga sobre los demás, pero en la Seminci sí ha habido cuatro-cinco títulos de buen cine. Sorprende que en los dos Festivales más importantes que hay en España, la práctica totalidad de las películas presentadas en las secciones oficiales (algunas de autores noveles, otras de autores más consagrados), respondan todas ellas a patrones narrativos que podríamos definir como “clásicos”, ortodoxos en cuanto a la forma. Las experimentaciones formales no pasan de simples detalles que no alteran la globalidad de la obra.

 

 

(Carteles de las diferentes Secciones de este año que, en mi opinión, resultan bastante anodinos, especialmente el de la Sección Oficial)

 

Este año la Seminci incluye las siguientes Secciones habituales:

 

.- Sección Oficial (largometrajes y cortometrajes)

.- Punto de Encuentro (largometrajes y cortometrajes)

.- Tiempo de Historia

.- Doc. España

.- Spanish Cinema

.- Cine & Vino

.- Seminci Joven

.- Miniminci

.- Castilla y León en largo

.- Castilla y León en corto

.- El día de Castilla y León

.- Punto de Encuentro. La noche del corto español

.- Escuelas de Cine: ECAM-ESCAC

 

Y como secciones específicas de este año:

 

.- Ciclo Richard Linklater

.- El cine chileno en democracia (2000-2015)

.- Querido Abbas

.- Homenaje a Michael Cimino

.- Ciclo Cervantes + Shakespeare

.- Gala Día de Castilla y León dedicada a Francisco Regueiro.

.- Gala Día de la India

.- Día del Cine y el cambio climático

.- Proyección especial de “Nosferatu” (F.W. Murnau, 1921) con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

 

Las Espigas de Honor de este año han sido para:

 

.- José María Prado (Chema Prado, director de la Filmoteca Española durante 27 años, hasta marzo de 2016, y al que, indudablemente, debemos muchísimo)

.- Geraldine Chaplin (que impartirá una Master Class)

.- Bobby Bedi (cineasta y productor indio)

.- Kabir Bedi (actor indio enormemente famoso por su papel de Sandokán en la mítica serie televisiva)

.- Francisco Regueiro (con la proyección de su película más conocida “Padre Nuestro”)

 

 

(Geraldine Chaplin y Chema Prado con sus Espigas de Honor)

 

En mi opinión un número excesivo de Secciones y  de “Espigas de Honor”. No parece que la inclusión en los últimos años de nuevos apartados haya supuesto una mayor relevancia pública a nivel informativo nacional (supongo que a nivel internacional el seguimiento de la Seminci es mínimo como nos sucede a nosotros con Toronto, Locarno,…). Quizás tantas Secciones, tantas Espigas, esté provocando justamente el efecto contrario: demasiados árboles que te impiden ver el bosque o dicho en modo refranero “el que mucho abarca poco aprieta”. Creo que no sería descabellado que cada año hubiese dos únicas Espigas de Honor: una para alguien del Cine Español y otra para alguien del Cine Internacional. Estoy seguro que seleccionando dos nombres de primer nivel tendrían bastante más repercusión informativa.

 

El Jurado internacional de la Sección Oficial ha estado formado por:

 

.- Matías Bize (que ejercía como Presidente), Marc Baschet, Silvia Munt, Bobby Bedi, Ángela Prudenzi y Martín Hernández.

 

Resultado de imagen de espiga Arco Iris de la Seminci

 

Se han publicado dos libros específicos: “Richard Linklater. El tiempo en sus manos” de Carlos F. Heredero/ Caimán Cuadernos de Cine (Ed.)  y el libro “El cine chileno en democracia. 2000-2015” de Pablo Marín.

 

El ciclo “Querido Abbas” rinde homenaje al gran director iraní que murió el 4 de julio de este año en París. Kiarostami estuvo siempre muy presente en la Seminci, de hecho, fue este Festival el que le dio a conocer en España. Fueron dos las películas suyas que obtuvieron la Espiga de Oro: “A través de los olivos” en 1994 y “Copia certificada” en el 2010. Se ha proyectado su último cortometraje “Llévame a casa” y un documental del que fue su amigo y colaborador durante muchos años “76 minutos y 15 segundos con Abbas Kiarostami” (Seifollah Samadian), por desgracia sólo tuvo un único pase al que no pude asistir.

 

 

(A la izquierda fotograma de “Llévame a casa; a la derecha “76 minutos y 15 segundos…”)

 

 

A destacar, como siempre, el fabuloso apoyo que la Seminci sigue prestando a los cortometrajes en muchas de sus secciones. Ya se que hablar de “obligatoriedad” tiene connotaciones negativas pero debería ser de obligado cumplimiento que en todas las proyecciones nacionales antes de la película (sea la que sea) se proyectase un cortometraje, preferentemente español, para ayudar y dar a conocer a las nuevas generaciones (o los trabajos de directores ya establecidos). Tengo entendido que hay abierta una campaña de “Un largo, un corto” (y si no la hay, debería haberla) que todos deberíamos apoyar y que el Ministerio de Cultura, con la ayuda de la Academia de Cine, debería respaldar.

 

 

(Presentación de cortometrajes de la ECAM y de la ESCAC)

 

Momentos inolvidables de esta Seminci: Esa imagen de Daniel Mantovani, interpretado por Óscar Martínez, subido en el coche de bomberos en "El ciudadano ilustre", esa tensión real que vives dentro del furgón policial en El Cairo ("Choque"), toda la parte final de la película iraní "El viajante" que te mantiene en vilo, ese loco y contagioso personaje de Beatrice en "Locas de alegría", ese corto maravilloso de “Vaysha la Ciega”, ese dolor inmenso que sientes en “Reparar a los vivos” cuando están a punto de extraer el joven corazón de 17 años de Simon (muerto cerebralmente) y le ponen unos cascos para escuchar el ruido del mar donde era tan feliz haciendo surf,  esa profunda tristeza de ver a un joven como Miguel en “La madre” teniendo que vender pañuelos de papel en la calle para sobrevivir, ese personaje de Ahmad en la película jordana “Bienes benditos” (un actor que por cierto es clavado a Jeff Goldblum), esa preciosa canción de Taiguara en “Doña Clara”….. Sigo convencido de que el buen cine te hace mejor persona gracias a todos estos momentos maravillosos.

 

He podido ver 29 largometrajes, 31 cortometrajes y 3 documentales. Para una mejor comprensión indico el patrón personal que sigo a la hora de la calificación de las películas:

 

(o)              Espantosa

(*)              Mala

(**)            Se puede ver

(***)          Buena

(****)        Muy buena

(*****)      Obra maestra

 

Sección Oficial (largometrajes):

 

Se han presentado 18 películas a concurso. La cinematografía nacional está presente en varios títulos:

 

.- “Las Furias” producción íntegramente española.

.- “La madre”, película española coproducida con Rumanía y Francia.

.- “El ciudadano ilustre”, película argentina coproducida con España.

 

En su línea habitual desde hace muchos años Francia está muy presente en muchas coproducciones con países árabes. Llama la atención la ausencia absoluta de películas estadounidenses (ni siquiera en coproducción) y la ausencia del clásico título chino presente en todos los festivales (última Concha de Oro).

 

(**) “Las Furias” (Miguel del Arco, España, 2016):

 

Inaugura a concurso la Sección Oficial. Drama. Primera película que se proyecta en la Seminci este año. Pase con público y prensa en el Teatro Carrión con aplausos generales. Lenguaje narrativo clásico. 

 

Sinopsis: Marga (Mercedes Sampietro), una mujer de casi setenta años, comunica a sus hijos que quiere vender la residencia de verano familiar. Toda la familia se reúne un fin de semana en ella para hablar de este tema y de otros muchos que irán saliendo, viejos reproches, nuevas esperanzas, celos, envidias…

 

Miguel del Arco (Madrid, 1965) es conocido como director teatral (“Deseo”, “De ratones y hombres”, “El Inspector”…), también ha dirigido algún cortometraje y algún episodio para dos series de televisión, es por tanto, su ópera prima como director (lo que nos recuerda, de forma un tanto petulante, al final con el rótulo “La primera película de Miguel del Arco”. Es un drama coral que gira en torno a una familia en la que todos, de una u otra manera, necesitan ayuda. Los personajes están todos ellos interpretados por actores/actrices muy conocidos y magníficos: José Sacristán, Mercedes Sampietro, Carmen Machi, Emma Suárez, Gonzalo de Castro… Sospecho que la presencia de este grupo reducido de actores en numerosas producciones influye negativamente en la recepción final de la obra. Me explico: se prodigan tanto en cine, en televisión,  en teatro, que, en lo que a mí respecta, percibo cierta saturación. Y por favor ¿qué les pasa últimamente a los actores españoles con la dicción, con la vocalización? Parece que hablan mirándose al ombligo. Quieren, a veces impregnar tanto su papel de un acento especial, de un tono diferente, que cuesta muchísimo entenderles con claridad. O todo será cuestión del no doblaje en estudio y del mal sonido directo. Y no soy el único que piensa lo mismo (y lo dice). Son muchos los que comentan que a este paso va a ser necesario subtitular las películas españolas como ya se está haciendo con algunas películas latinoamericanas. Ver mi artículo: “Babelismo en el cine panhispánico”:

http://www.cinepastor.es/Babelismo.htm

 

Palabras clave: Familia. Alzeheimer. Psicosis. Adolescencia. Suicidio. Hermanos. Madres-hijos

 

No se llevó, de forma merecida, ningún premio. Es curioso que durante todo el Festival no se volviera a hablar de este título y no entraba en ninguna de las quinielas; es como si no se hubiese proyectado. Se estrena el próximo 11 de noviembre.

 

Tráiler: https://youtu.be/EQmZTy4wPq4

 

 

 

(***) “(Choque)” (“Clash”/ “Eshtebak”, Mohamed Diab, Egipto-Francia-Emiratos Árabes Unidos, 2016):

 

Aplausos generales al finalizar la proyección en el Teatro Carrión en pase de prensa. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Verano de 2013. Durante las revueltas en El Cairo un grupo de personas, de muy diferentes ideologías, son encerradas en un mismo furgón policial.

 

Ya se presentó en Cannes, en la sección “Un certain regard”. En el primer día de Seminci (sábado) ya se nos presenta una película que podría obtener, de forma muy merecida, la Espiga de Oro. Una película de prácticamente escenario único (el furgón policial) lo que sin duda tiene mucho mérito. Hay alguna toma exterior pero casi siempre son desde el punto de vista del furgón. La tensión es constante hasta un clímax final muy angustioso. No hay un único protagonista, es el conjunto de esas personas (reflejo de la sociedad egipcia) el protagonista de la película. Todos encerrados en un mismo habitáculo (país) y todos con sus semejanzas, diferencias, opiniones, etc. En mi opinión el gran título de este Festival.

 

Palabras clave: Revolución. Hermanos Musulmanes. Religión.

 

Obtuvo el premio “Pilar Miró” al mejor nuevo director, a la mejor fotografía (Mohamed Diab) y el Premio del Público. También ha recibido un curioso reconocimiento, el “Premio Sociograph”, que es ese dispositivo que algunos espectadores de forma voluntaria llevan en los dedos para medir las emociones, la tensión, lo que confirma lo que antes indicaba.

 

Tráiler: https://youtu.be/dgvHd9ql7R0

 

 

(***) “Las inocentes” (“Les innocentes”, Anne Fontaine, Francia-Polonia, 2016):

 

Aplausos generales en el Teatro Calderón. Drama basado en hechos reales. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Siglo XX. 1945. Diciembre. Un convento de monjas en Polonia. La guerra ha terminado. Algunas de las monjas fueron violadas por soldados soviéticos y están embarazadas. Una enfermera francesa de la Cruz Roja las ayudará.

 

Muy bien narrada. No hay altibajos y la historia evoluciona de forma correcta. La fotografía es excepcional en unos tonos muy sombríos. El sufrimiento de ese grupo de monjas en aquel entonces debió ser terrible y sólo su fe las ayudó a seguir adelante. Muy buenas interpretaciones de todo el conjunto de actrices. Tendemos a creer que el sufrimiento de millones de personas acabó nada más finalizar la contienda mundial (la alegría en las calles, los desfiles) y eso es un gran error. Fueron millones los que siguieron sufriendo las consecuencias durante decenas de años (bombas atómicas, mutilaciones, desaparecidos, violaciones,…) Y Polonia, un país de raíces católicas, quedó bajo la ocupación de las tropas comunistas soviéticas, un dominio que se prolongaría durante decenas de años.

 

Palabras clave: Monjas. Violaciones. 2ª guerra mundial. Religión. Fe.

 

Obtuvo el Premio Fipresci (Jurado formado por Salvatore Marfella, René Marx y Óscar Peyrou)

 

Tráiler: https://youtu.be/Krkbwe0_4e4

 

 

(***) “El ciudadano ilustre” (Gastón Duprat y Mariano Cohn, Argentina-España, 2016):

 

Aplausos generales en el Teatro Calderón. Comedia dramática. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Un escritor argentino recibe el Premio Nobel de Literatura lo que le lleva a un estado de bloqueo creativo. Tras un periodo de inactividad en los que rechaza sistemáticamente todas las invitaciones a actos, entrevistas y demás eventos, acepta, de forma sorpresiva, una invitación de su localidad natal “Salas” a la que no acude desde hace 40 años.

 

Un guión perfecto que mezcla muy bien los toques de comedia con el fondo dramático que subyace en la historia. Se percibe la gran experiencia que ambos codirectores tienen en el terreno cinematográfico y televisivo. El actor Óscar Martínez hace una interpretación maravillosa de un escritor que no se muerde la lengua a la hora de manifestar sus opiniones. En el último festival de Venecia obtuvo por este papel la Copa Volpi al mejor actor. Todos los secundarios están magníficos. Secuencias francamente muy logradas como la entrevista que le realizan para una televisión local o su “exhibición” encima del coche de bomberos. Ha sido seleccionada por Argentina para los Oscars como mejor película de habla no inglesa. Ha sido un título muy nombrado durante todo el festival.

 

Palabras clave: Escritores. Literatura. Premios. Pueblos. Regreso. Nobel.

 

Obtuvo el premio “Miguel Delibes” al mejor guión y la Espiga de Plata.

 

Tráiler: https://youtu.be/VI2GLPtYCq8

 

 

 

 

(***) “Anatomía de la violencia” (“Anatomy of violence”, Deepa Mehta, Canadá-India, 2016):

 

Aplausos generales en el Teatro Carrión. Drama basado en hechos reales. Heterodoxa y acertada forma narrativa.

 

Sinopsis: En Nueva Delhi, en diciembre de 2012, un grupo de jóvenes violaron de forma colectiva a una joven en un autobús. La chica murió. Se recrea la vida de esos jóvenes y de su futura víctima. Jóvenes con infancias de miseria, donde también sufrieron malos tratos y vejaciones. Y una víctima, de una clase social más alta, que tuvo la desgracia, de cruzarse en el camino de ellos.

 

Se presentó en Toronto. Deepa Mehta utiliza una mezcla narrativa que por momentos parece un documental pero sin abandonar la ficción formal narrativa. Lo divide en capítulos. La exposición que hace de los jóvenes te hace preguntarte si de alguna manera está “justificando” lo que hicieron: alguno también sufrió violación de niño, viven en la miseria, etc. Pero no es esa la sensación final que permanece. El plano final cuando entrevistan a uno de los jóvenes (actor) condenado a la horca es escalofriante. Le da igual, afirma que todos debemos morir en algún momento, no tiene ningún sentimiento de culpabilidad, de remordimiento, y afirma que la chica también era culpable por cruzarse por allí.  La declaración del abogado defensor de los jóvenes es también espeluznante: la chica debería haber estado encerrada en su casa y no haber salido; llega a afirmar que “si yo tuviera una hija que saliera la quemaría”. Desde luego la India tiene todavía mucho camino por recorrer en materia de derechos sociales. Agradecer a la directora que nos evite presenciar toda la secuencia de la violación. Deepa Mehta ya participó el año pasado en la Seminci con “Beeba Boys”.

 

Palabras clave: Violencia. Miseria. Violaciones. Juventud. Pobreza.

 

De vacío en el palmarés.

 

 

(**) “Tierra de Dioses” (“Dev Bhoomi”, Goran Paskaljevic, India-Serbia, 2016):

 

Aplausos tibios en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Rahul (Victor Banerjee) regresa, tras un prolongado exilio, a su aldea natal en el Himalaya. Sin embargo las cosas no han cambiado tanto: las tradiciones, las castas, las mujeres sin derechos… todo permanece casi inalterable.

 

Ya se presentó en Toronto. Goran Paskaljevic es uno de los directores más premiados en este Festival (tres Espigas de Oro). En esta ocasión no alcanza el tono de otras producciones anteriores (recuerdo especialmente “Sueño de una noche de invierno” del 2004 presentada en San Sebastián). Es un título que te deja frío, distante, no llegas a entrar en la piel del personaje (al menos fue mi caso). Unos simples paisajes espectaculares no bastan para construir una película; le falta una historia a la que poder asirse.

 

Palabras clave: Naturaleza. Regreso. Perdón. Familia.

 

De vacío en el palmarés

 

Tráiler: https://youtu.be/9B-06jHewT4

 

 

(**) “El Rey de los belgas” (“King of the belgians”, Peter Brosens y Jessica Woodworth, Bélgica-Países Bajos-Bulgaria, 2016):

 

Tibios aplausos en el Teatro Calderón. Comedia. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: De viaje en Turquía el Rey de Bélgica recibe la noticia de que su país se ha dividido con la declaración de independencia de Valonia. De forma irregular tratará de regresar acompañado de su pequeño séquito atravesando varios países. Entre los acompañantes figura el director del documental que estaban rodando sobre la figura del monarca.

 

Ya se exhibió en Venecia. Se agradece la presencia de comedias en la Sección Oficial. Al menos intentan hacerte sonreír (que no reír). Un título muy menor con algunos puntos graciosos pero que no van más allá. Muy olvidable. Imagino que ni se estrenará en España.

 

Palabras clave: Monarquía. Road-movie. Diplomacia.

 

De vacío en el palmarés (como no podía ser de otra manera)

 

Tráiler: https://youtu.be/DJa5C0_CqQI

 

 

 

(**) “La ciénaga. Entre el mar y la tierra” (Manolo Cruz y Carlos del Castillo, Colombia, 2016):

 

Tibios aplausos en la sala Broadway en pase de prensa. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Alberto, es un joven que presenta una grave enfermedad degenerativa que le obliga a permanecer, prácticamente inmóvil, en su cama. Vive con su madre en una vivienda situada sobre una ciénaga, elevada sobre el agua. Una joven, a la que conoce desde la infancia, le visita con frecuencia y quiere ayudarle.

 

Está rodada en una zona real de Colombia donde un grupo de casas están construidas encima del agua de una ciénaga (son poco más que chabolas). Tiene mucho que ver con “Mar adentro” de Amenábar. Excesivo dramatismo final que creo penaliza el conjunto. Podría pensarse en algún premio para el actor (que es el propio director Manolo Cruz) que interpreta ese difícil personaje o para Vicky Hernández que interpreta a la entregada madre (como todas). En los títulos finales agradece a Dios la realización de esta película, sin duda alguna, es una persona muy creyente.

 

Palabras clave: Discapacitados. Eutanasia. Madres-hijos. Enfermedades.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler: https://youtu.be/3xNmiZob7rs

 

 

 

(**) “La madre” (Alberto Morais, España-Rumanía-Francia, 2016):

 

Aplausos en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico

 

Sinopsis: Miguel, un adolescente lleva una vida muy difícil. Acude al instituto y vende pañuelos a los coches en la calle. Su madre, que está en paro, está sumida en una depresión que la anula como persona y como madre. Ya estuvo en un centro de menores y ahora los asuntos sociales siguen el caso.

 

Fue el proyecto seleccionado por l´Atelier en Cannes 2015. Una historia dura y por desgracia a la orden del día en miles de familias que han sido aniquiladas por ese genocidio social que es la crisis. Ver cómo sobrevive vendiendo pañuelos en la calle a los coches te duele profundamente (“dos paquetes un euro, dos paquetes un euro…” una y otra vez). El actor novel, Javier Mendo, que interpreta a Miguel, lo hace de forma magnífica. Espero que obtenga el Goya al mejor actor novel. La imagen del cartel te da a entender que es un chaval que no sabe muy bien hacia dónde tirar, aunque al final, en un alarde de sensatez, toma la mejor y menos cómoda salida posible. Me pregunto cuántas familias estarán ahora mismo viviendo situaciones similares.

 

Palabras clave: Familia. Madres-hijos. Menores. Crisis. Paro.

 

De vacío en el palmarés. El cine español no se ha llevado ningún premio en esta Sección Oficial.

 

Tráiler: https://youtu.be/hD-_91WE7LE

 

(**) “Doña Clara” (“Aquarius”, Kleber Mendonça Filho, Brasil- Francia, 2015):

 

Aplausos en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Doña Clara lleva toda su vida viviendo en un apartamento ubicado frente a la playa de Pernambuco en un edificio conocido con el nombre de “Aquarius”. Un especulador inmobiliario quiere comprarle su vivienda y así hacerse con toda la propiedad. Ella se niega a vender. Su vida, su familia, sus recuerdos, están ahí, entre esas paredes.

 

Ya se presentó en Cannes 2016 a competición. Sonia Braga está magnífica, como siempre, en un papel que le va como anillo al dedo. La película se sigue con interés aunque tiene algunos altibajos que no la benefician. La excesiva duración (142 minutos) creo que ha penalizado al conjunto. El director y el guionista deberían haber tenido la inteligencia de evitar algunos pasajes que no aportan nada a la narración y condensar otros excesivamente alargados. Aunque fue un título que sonó bastante durante el Festival al final no obtuvo ningún reconocimiento. No hubiera sido descabellado que a Sonia Braga se le hubiese otorgado el premio a la mejor actriz. Magnífica la canción de Taiguara que se escucha en una secuencia preciosa: https://youtu.be/duM_S8J9KuY?list=PLwXqJszXtZfEJVx7xyF22eStzNKDl3-Tp. La banda sonora es de obligada compra.

 

Palabras clave: Especulación. Familia. Capitalismo. Inmobiliarias. Corrupción empresarial. Madres-hijos. Hermanos.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler: https://youtu.be/0Zln78CcFkA

 

 

(**) “Hija” (“Dokhtar” / “Daughter”, Reza Mirkarimi, Irán, 2016):

 

Aplausos en su pase de prensa en la Sala Broadway. Drama. Lenguaje narrativo clásico

 

Sinopsis: Irán. Época actual. Setareh es una joven que vive en una localidad petrolera del sur de Irán junto a su familia. Una amiga íntima, que vive en Teherán, va a marcharse y organiza una reunión de despedida. Setareh pide permiso a su padre para viajar en avión a Teherán, despedirse de su amiga y regresar inmediatamente. Su padre, que trabaja en la petrolera, es un hombre muy estricto y no se lo permite. Setareh, desobedeciendo a su padre cogerá el avión a Teherán.

 

Empieza con el rótulo “En el nombre de Dios”. Presentada en el Festival de Moscú. Muy bien narrada y con muy buenas interpretaciones. Es un tema que está saliendo constantemente en estas producciones asiáticas (y africanas) y sobre todo de países árabes: las nuevas generaciones frente a las tradiciones de sus padres enraizadas, en gran medida, en cuestiones religiosas. Se sigue detectando como todavía hay mucho camino que recorrer en este sentido. Son países donde la mujer está supeditada a la imposición del hombre, ya sea el marido, el padre, el hermano. Hay un conflicto evidente que en gran medida parte de esa no separación de religión y de Estado. Es cierto que hay grandes diferencias entre unos países y otros, y dentro de ellos, entre zonas urbanas y rurales (Turquía, Irán, Afganistán, Nepal, India…). A lo que se une el choque cultural que están generando las nuevas tecnologías (Internet) donde otras formas de vida, otras costumbres diferentes (no por ello mejores o peores) están al alcance de un clic. Todo ello constituye un cóctel difícil de digerir para millones de personas y que genera los conflictos que todos los días vemos en las noticias. Buena película de un director-productor a tener muy en cuenta.

 

Palabras clave: Familia. Tradiciones. Padres-hijas. Juventud. Hermanos.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler en: https://youtu.be/e7SxoyFEXow

 

 

 

(**) “Hedi” (Mohamed Ben Attia, Túnez-Bélgica-Francia-Catar-Emiratos Árabes Unidos, 2016):

 

Aplausos en su pase general en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico

 

Sinopsis: Túnez. Época actual. Hedi es un joven que trabaja como vendedor de coches para empresas de la Peugeot, aunque en realidad, a él lo que le gusta es dibujar. Está a punto de casarse. La empresa le manda de forma imprevista a una localidad turística para tratar de mejorar los resultados comerciales. Allí conocerá a una bailarina.

 

Ya se presentó en Berlín. Los hermanos Dardenne en la producción. Ópera prima como director. Correctamente narrada. La indecisión del personaje está bien trazada. Algunos han indicado que puede ser una metáfora de la situación de indecisión del propio país (Túnez); particularmente no creo que sea así. Más bien es la indecisión que todos sentimos muchas veces a lo largo de nuestra vida, ese cruce de caminos donde no sabes muy bien por donde tirar. No creo que haya ninguna metáfora de tipo político detrás. De los poquitos casos en que un happy-end hubiera estado justificado. De nuevo Francia sigue apostando por las coproducciones con muchos países árabes como forma de abrir mercados y fomentar nuevos talentos.

 

Palabras clave: Familia. Bodas. Turismo. Hermanos.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler en: https://youtu.be/0TeOlLVk20M

 

 

(***) “El viajante” (“Forushande” / “The salesman” / “Le client”, Asghar Farhadi, Irán-Francia, 2016):

 

Aplausos generales en su pase general en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico

 

Sinopsis: Un joven matrimonio de actores teatrales deben trasladarse de vivienda. Ocupan, gracias a un compañero del teatro, un piso donde antes vivía una mujer dedicada a la prostitución. La mujer sufrirá la agresión de un antiguo cliente de la anterior inquilina lo que provocará la reacción del marido tratando de encontrar al agresor para vengarse.

 

En Cannes 2016 ya fue premio al guión y premio de interpretación masculina (Shahab Hosseini). En mi opinión podía haber ganado perfectamente la Espiga de Oro. Magníficamente narrada, sin tiempos muertos, con un desarrollo de la historia que alcanza un culmen final en el que estás pegado al asiento preguntándote qué va a pasar, cómo se va a resolver. Creo que hay mucho de Hitchcock, de Haneke. Estoy seguro que los americanos, no tardando mucho, harán un remake. Es de esas películas que no se olvidan. El título viene a propósito de la interpretación de “Muerte de un viajante” que están haciendo en el teatro y con la aparición final de un viajante…

 

Palabras clave: Teatro. Prostitución. Violación. Secuestro. Venganza.

 

Ha obtenido el Premio de la Juventud de la Sección Oficial.

 

Tráiler: https://youtu.be/MPMHWWhFmyE

 

 

 

(**) “Maravillosa familia de Tokio” (“Kazoku wa tsuraiyo”, Yôji Yamada, Japón, 2016):

 

Comedia. Tibios aplausos en su pase de prensa en la sala Broadway. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Tras 45 años de matrimonio, ella le pide, el día de su cumpleaños un regalo muy especial: el divorcio. Esto revolucionará a toda la familia.

 

De nuevo este prolífico director, que lleva más de ochenta largometrajes rodados, vuelve a mostrarnos una película sencilla envuelta en un halo de sensibilidad, de dulzura cinematográfica, que te hace recordar alguna de las maravillosas películas de Yasujirô Ozu (no olvidemos que en el 2013 Yamada rodó “Una familia de Tokio” homenaje a esa joya del cine como es “Cuentos de Tokio” de Ozu). La cámara es invisible, el director no hace ningún tipo de alarde técnico, no le hace falta, todo es movimiento interior y efectos emocionales.

 

Palabras clave: Familia. Divorcio. Padres-hijos. Hermanos.

 

Tráiler: https://youtu.be/SCM_4krBacA

 

 

 

(**) “Tormenta de arena” (“Sufat chol”, Elite Zexer, Israel, 2016):

 

Tibios aplausos en su pase en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: En Israel. Layla una joven universitaria llega con su padre, Suliman, a su pequeña aldea beduina. El padre va a contraer matrimonio con una segunda mujer mucho más joven que Jalila su primera esposa y madre de Layla. Jalila debe preparar la casa y organizar los festejos.

 

Ya se presentó en Berlín en la sección Panorama, en Locarno, en Toronto. Ópera prima en largometraje. De nuevo comprobamos que hay millones de mujeres en todo el mundo sometidas como esclavas a los deseos, a las humillaciones, de los hombres. Por una lado, la poligamia, por otro es el padre el que decide con quién se ha de casar su hija. Incluso se da la situación de que Suliman “devuelve” a su primera mujer a su suegro porque ya se ha cansado de sus quejas. Layla ha tratado de romper con ese muro de tradiciones (estaba enamorada de un joven de la Universidad), y en una secuencia llega a afirmar que “está con los ojos abiertos”, pero al final asume el mandato de su padre y se casa con el desconocido que el padre ha elegido. Sin embargo es en el personaje de la niña pequeña, Tasnim, donde se intuyen esos cambios, que quieran o no quieran, llegarán. En una secuencia anterior la madre pone a la niña el pañuelo en la cabeza y ésta se lo quita. La secuencia final, con Layla ya casada con el desconocido, la niña pequeña está mirando a través de la reja y pronunciará un sonoro “No”. Curiosamente el padre tiene un móvil Apple y un Toyota, es decir, por un lado aceptan la modernidad y por el otro viven en el medievo.

 

Palabras clave: Familia. Tradiciones. Poligamia. Beduinos. Padres-madres-hijas. Religión.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler: https://youtu.be/X0KV2U_QwKU

 

 

 

(**) “Madre sólo hay una” (“Mae só há uma”, Anna Muylaert, Brasil, 2016):

 

Aplausos en su pase en el Teatro Calderón. Drama basado en hechos reales. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Una madre vive junto a su hijo adolescente Pierre (Naomi Nero) y su hija más pequeña. Son una familia que viven de forma humilde y son felices. Un día la policía detiene a la madre y comunican a Pierre que, en realidad, no es su madre sino que fue raptado cuando nació y sus padres biológicos le han estado buscando durante años. De la noche a la mañana la vida de Pierre cambia drásticamente.

 

Muy bien narrada. Se nota la experiencia cinematográfica y televisiva de esta directora. Una historia que como es sabido se ha producido en muchos países (España, Argentina…) cuando muchos bebés fueron robados al nacer y entregados a otras familias (normalmente mediando grandes cantidades de dinero). Lo válido de esta película es mostrar cómo lo que en apariencia es legítimo: que los padres biológicos estén con sus hijos, puede, al mismo tiempo, implicar una hecatombe en la vida de esa persona. Como Pierre llega a afirmar en una secuencia fabulosa: le robaron dos veces (cuando nació y ahora que es un adolescente). Y para colmo se descubre que su hermana tampoco es en realidad su hermana biológica, pero sí tiene otro hermano biológico más joven. Todo su mundo se viene abajo. Como el propio título indica “madre sólo hay una” y es la que te quiere, la que te abraza, la que te regaña, la que se preocupa, la que te ayuda cuando lo necesitas, la que te reprende cuando haces algo mal pero te enseña a intentar hacerlo bien, y en esto, en todo esto, poco o nada hay de biología. Curiosamente Pierre con su familia biológica es muy infeliz y trata de buscar su propia identidad familiar y sexual en medio de su desconcierto (muy lograda toda esa parte en que se viste de mujer a pesar de la oposición de sus padres biológicos).

 

Palabras clave: Familia. Niños robados. Sexualidad. Adolescencia.

 

Ha obtenido el premio para el mejor actor (Naomi Nero) en su primer trabajo, premio “Ribera del Duero” al mejor director y la primera Espiga Arco Iris que se ha creado este año y que tiene un diseño muy original.

 

Tráiler: https://youtu.be/IY9k-PJsub4

 

 

 

 

(***) “Locas de alegría” (“La pazza gioia”, Paolo Virzi, Italia-Francia, 2015)

 

Aplausos generales en su pase en el Teatro Calderón. Comedia dramática. Lenguaje narrativo clásico-

 

Sinopsis: En una clínica psiquiátrica vive Beatrice, una mujer muy peculiar, que no para de hablar y de contar historias de la vida de lujo que llevaba y de las personalidades políticas a las que conocía. Un día ingresan en la clínica a Donatella, una joven, parca en palabras y que parece guardar mucho dolor en su interior. De forma fortuita lograrán escapar de la clínica y volver a la vida.

 

Ya se presentó en Cannes 2016 en una de sus secciones paralelas. Su pase previsto para el viernes 28 se adelantó al jueves al no haber llegado la película prevista para ese jueves (“Tormenta de arena”). Las dos actrices están excepcionales: Valeria Bruni Tedeschi (como Beatrice) y Micaela Ramazzotii (Donatella). Son como las nuevas Thelma y Louise del siglo XXI, de hecho, la secuencia del descapotable parece un claro homenaje a la alegría de vivir, a la libertad. Está muy bien narrada, tiene momentos muy divertidos, su ritmo es perfecto en todo momento sin caer en desfallecimientos o tiempos muertos, hasta alcanzar un final previsible pero que no inhabilita la totalidad de la película.

 

Espiga de Oro a la mejor película y premio de interpretación femenina para las dos actrices.

 

Palabras clave: Locura. Road.movie. Psiquiátricos. Amistad.

 

Tráiler: https://youtu.be/PO2317NpXhU

 

 

(***) “Reparar a los vivos” (“Réparer les vivants”, Katell Quillévéré, Francia-Bélgica, 2016):

 

Aplausos en su pase del Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Simon es un adolescente de 17 años al que le encanta el surf. Junto a dos amigos marchan de noche en la furgoneta de uno de ellos para llegar al amanecer a la playa. El amigo que conduce se queda dormido y tienen un accidente. Simon, que no llevaba puesto el cinturón de seguridad, sufre graves lesiones cerebrales.

 

Está basada en una novela de Maylis de Kerangal. Jamás me he salido de una película por muy mala que ésta fuera. Pero en este caso he estado a punto de salirme varias veces, no porque fuera mala, en absoluto, sino por el tremendo dolor, por la angustia, que estaba sintiendo. Ver a un joven de 17 años con muerte cerebral en su cama del hospital conectado a las máquinas para mantener su corazón latiendo me supera. Es demoledor cuando comunican a sus padres que su hijo en realidad ha muerto y le mantienen conectado por si autorizan el trasplante de algún órgano. Esos momentos, esas horas, son espantosas. Acceden a ello pero la madre, rota, dice “pero los ojos no, los ojos no”. No he parado de llorar, me daba hasta apuro por los vecinos de butaca. Tremendo el plano en que los padres, una vez tomada la decisión, se despiden de su hijo:

 

 

 

Tiene secuencias maravillosas llenas de vida (y de dolor): la carretera poco antes del accidente transformándose en un mar donde una ola gigante avanza hacia nosotros (choque de la furgoneta), cuando están a punto de quitarle el corazón y el coordinador de trasplantes le dice al oído que sus padres le quieren, que su novia Juliette le quiere y que esto es para él y le pone unos cascos en los oídos con el ruido de las olas del mar. Te hundes en la butaca, no sabes dónde meterte, quieres escapar de tanto dolor. Su corazón seguirá latiendo en una joven que en el último plano y tras la operación, abre los ojos y nos mira con ojos muy llorosos. Un alegato por la donación de órganos que yo, en mi caso, tengo clarísimo: todo los que se pueda aprovechar (que no será mucho). Preciosa la banda sonora a piano y maravillosa la canción de David Bowie que suena "Five years": “…tenemos sólo cinco años para llorar…” (https://youtu.be/LyOeIX5vXQs)

 

Palabras clave: Muerte de un hijo. Trasplantes. Accidentes. Juventud.

 

De vacío en el palmarés (quizás hubiera merecido algo, una mención especial, algo)

 

(**) “Los hijos de Jean” (“Le fils de Jean”, Philippe Lioret, Francia-Canadá, 2016):

 

Aplausos en su pase en el Teatro Calderón. Drama. Lenguaje narrativo clásico. Película de clausura de la Sección Oficial.

 

Sinopsis: Mathieu tiene 35 años y nunca ha conocido a su padre. Un día recibe una llamada de que su padre era canadiense, que ha muerto y que dejó un paquete para él. Mathieu se desplaza hasta Montreal para asistir al entierro de un padre al que nunca conoció. Pero las cosas no son lo que parecen.

 

Philippe Lioret llevaba cinco años sin presentar un nuevo largometraje. Buen guión y buen giro final. Una narración perfecta con una cámara invisible. Muy medidos los tiempos narrativos para permitir que la historia avance, quitándose, poco a poco, varias capas hasta llegar a la verdad final. Muy buenas interpretaciones de todos los actores.

 

Palabras clave: Familia. Padres-hijos. Hemanos.

 

Tráiler: https://youtu.be/Evz9QfoVl3E

 

 

 

 

Sección Oficial (cortometrajes):

 

(*) “Pelea en una playa sueca” (“Fight on a Swedish Beach!!”, Simon Vahlne, Suecia, 2016):

 

Drama. Ni aplausos ni pataleos. No entiendo cómo este cortometraje ha sido seleccionado para la sección oficial (también participó en Cannes). Lenguaje narrativo clásico. Verano. Una playa sueca. Las familias disfrutando de un día tranquilo y un grupo de jóvenes energúmenos que hacen el idiota. Se produce un altercado entre los dos grupos de insultos, empujones y poco más. Parece un vídeo de Youtube. Increíblemente ha obtenido el premio EFA al mejor cortometraje de esta Sección. De esta forma queda seleccionado como uno de los finalistas al premio anual de la European Film Academy. Una decisión absurda.

 

(**) “El paciente de las once” (“The eleven o´clock”, Derin Seale, Australia, 2016):

 

Comedia. Aplausos en el Calderón. Lenguaje narrativo clásico. Un paciente se hace pasar por psiquiatra y al psiquiatra de verdad le toman por paciente. Muy bien narrado. Se nota la experiencia publicitaria de su director.

 

(*) “East Ramadi” (Kristen Gerweck, USA, 2016).

 

Drama. Al final unos poquitos aplausos en el Calderón. Lenguaje narrativo clásico. Es su primer cortometraje como guionista y directora. Año 2006, en Ramadi, una localidad de Irak. Dos niños llevan un paquete y se encuentran con dos soldados americanos…. La intención es buena. La idea es muy simple y el desenlace tan previsible que inhabilita todo el trabajo. Estamos de acuerdo que a veces las ideas más simples son las que mejor funcionan pero hace falta algo más: un giro inesperado, un desenlace llamativo,…

 

(*) “¡Buena suerte, Orlo!” (“Srecno, Orlo!”, Sara Kern, Austria-Croacia-Eslovenia, 2016).

 

Drama. Ni aplausos ni pataleos, sólo un pitido en su pase sorpresivo en el Teatro Carrión (no estaba en el programa). Lo mismo que “Pelea en una…” o que en “East Ramadi”. Una simple idea, por buena que pueda parecer, debe venir acompañada de algo más. Además está confusamente narrada.

 

(***) “Por cuánto tiempo, no por mucho” (“How long, not long”, Michelle Kranot y Uri Kranot, Dinamarca, 2016):

 

Animación. Muy aplaudido. Muy bueno. Desde su inicio la imagen y el audio van en un crescendo hasta alcanzar un clímax final rotundo. Ha obtenido de forma muy merecida la Espiga de Plata (podía haber sido perfectamente de Oro)

 

(**) “El fontanero” (“Le plombier”, Méryl Fortunat-Rossi y Xavier Séron, Bélgica-Francia, 2016):

 

Aplausos. Comedia. Muy conseguido y con un final perfecto. Un hombre y una mujer doblan las voces de películas porno.

 

(***) “Vaysha la ciega” (“Blind Vaysha”, Theodore Ushev, Canadá):

 

Aplausos generales. Muy bueno. Ya se presentó en Berlín. En mi opinión el mejor cortometraje proyectado en toda la Sección Oficial, sin embargo no obtuvo premio. Está basado en una preciosa historia del escritor búlgaro Georgi Gospodinov.

 

https://youtu.be/2_U6WiEGWwE (tráiler)

 

 

 

(**) “Caballos muertos” (“Cavalls morts”, Marc Riba y Anna Solanas, España, 2016):

 

Drama. Aplausos en el Teatro Calderón. Animación de plastilina con la técnica del stop motion. En catalán. Una trágica historia sobre la infancia y la guerra.

 

(**) “El silencio” (“Il silenzio”, Farnoosh Samadi y Ali Asgari, Italia-Francia, 2016):

 

Drama. Una mujer kurda en un país europeo acude con su hija pequeña al médico. La niña sirve de intérprete pero cuando ha de comunicarle a la madre una muy mala noticia queda en silencio. Es una historia sencilla pero muy bien contada. Le han hado la Espiga de Oro ex aequo con “Queimafobia

 

(**) “Hogar” (“Home”, Daniel Mulloy, GB-Kosovo, 2016):

 

Drama. Juro que esta idea la tuve yo (y supongo que otros muchos) hace tiempo. Una familia normal (se supone que inglesa) que vive cómodamente en su casa inicia un peligroso viaja hacia no se sabe dónde. Se esconden en los maleteros de coches, vagan por carreteras, pasan hambre y al final llegan a una zona de guerra. Es el viaje de muchos refugiados pero al revés. Para remover conciencias.

 

(**) “Estoy aquí” (“I am here”, Eoin Duffy, Canadá-Irlanda, 2016):

 

Animación. No estoy muy seguro de lo que cuenta. Un rostro animado nos dice que ya es tarde y que hubiera querido decirnos tantas cosas, pero ya no existe nada (se supone que es Dios y la humanidad ha desaparecido). Tiene una estética muy original que puede apreciarse en sus otros cortos: “The missing scart” que tuvo el premio EFA en Valladolid 2013: https://youtu.be/jxepnIG1yQQ

 

(**) “Queimafobia” (“Cheimaphobia”, Daniel Sánchez Arévalo, España, 2016):

 

Drama. Le han dado la Espiga de Oro ex aequo con “El silencio” y francamente me parece un premio de consolación para el cine español. Es un buen corto pero de ahí a semejante reconocimiento media un abismo. Está rodado en inglés. Nos narra cómo una niña pequeña se enfrenta a la muerte de su padre.

 

Punto de Encuentro (largometrajes):

 

(**) “Asuntos personales” (“Omor shakhsiya”, Maha Haj, Israel, 2016):

 

Tibios aplausos en su pase general en el Teatro Carrión. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: En Nazareth. Una familia en el día a día. La abuela tiene Alzheimer, la hija asiste a clases de tango, los controles policiales de los israelíes son constantes, un hijo vive en Suecia y espera que sus padres le visiten,…

 

Ópera prima en largometraje. Resulta muy plana, no hay garra, no hay una historia que te enganche a una evolución de los personajes. Todo es demasiado lineal y eso que su directora es asesora de guión… Muy olvidable.

 

Palabras clave: Familia. Palestinos. Judíos.

 

 

 

(**) “Mi primer viaje” (“My first highway”, Kevin Meul, Bélgica, 2016):

 

Tibios aplausos en el Teatro Carrión en pase general con público. Antes de la proyección el director y parte de los actores (incluido el niño de ocho años) han tenido el detalle de presentar la película. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Una familia belga pasa unos días de vacaciones en un camping de la costa española con su caravana. El chaval mantiene una turbia historia con una joven del lugar que le llevará al asesinato.

 

Rodada en parte en España. No dejar de ser como un telefilm de sobremesa pero algo más elaborado, al menos tiene algo que contarte y la historia evoluciona. En realidad es una película muy menor. Se deja ver pero poco más.

 

Palabras clave: Juventud. Familia. Vacaciones.

 

Tráiler: https://youtu.be/LWOxhyy8Gbw

 

 

(**) “Deja de mirar mi plato” (“Ne gledaj mi u pijat”, Hana Jusic, Croacia-Dinamarca, 2016):

 

Tibios aplausos en el Teatro Zorrilla. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Una joven vive junto a su gordo y vago hermano, con un padre autoritario y con una madre que deja mucho que desear. El padre sufre un ictus.

 

Ópera prima. La directora consigue meterte en el papel de la joven que lleva una vida donde no hay espacio para un poco de alegría. Su padre es un autoritario que sufrirá un ictus postrándole en la cama como un vegetal, su madre es un desastre en la organización de la casa, su gordo hermano un vago que no da un palo al agua. Ella trabaja en un laboratorio de un hospital y es la única que muestra un poco de orden en la vida. La fotografía del cartel da una idea muy exacta de la situación de la chica: asfixiada por su familia.

 

Palabras clave: Familia. Ictus. Padres-Hijos. Hermanos.

 

Premio del Jurado al mejor largometraje de “Punto de Encuentro”

 

Tráiler: https://youtu.be/nv5RgCOsdKg

 

 

 

(**) “El clásico” (Halkawt Mustafa, Noruega-Irak, 2016):

 

Aplausos en el Teatro Zorrilla. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: En Irak dos hermanos sufren la enfermedad de acondroplasia (enanismo). Uno es un forofo del Barcelona. El otro está enamorado de una joven normal cuyo padre es un forofo del Real Madrid hasta el punto de haberle confeccionado unas zapatillas artesanales a Cristiano Ronaldo. Su sueño sería poder entregárselas. En un intento de contentar al padre de su novia (que no sabe nada de esa relación) se hace del Real Madrid. Cuando el padre se entera de que se quiere casar con su hija se niega rotundamente. Él joven, para demostrarle que es capaz de cualquier cosa a pesar de su escasa estatura, le roba las zapatillas de Ronaldo e inicia un viaje hasta Madrid, en compañía de su hermano, para hacer realidad el sueño de su “suegro”.

 

Resulta curiosa y entretenida. Llama la atención cómo el fútbol español está presente en los rincones más inhóspitos del planeta. Es muy habitual ver en muchas películas africanas, asiáticas, americanas… a niños con camisetas del Barcelona y del Real Madrid. Su título original es en español “El clásico”. Se sigue con gran atención los avatares por los que han de pasar los dos hermanos hasta llegar a Madrid y poder entregar las zapatillas a Ronaldo (que en realidad no es él y se hace a través de unas fotografías de un doble). La verdad es que Ronaldo podía haber tenido el detalle (suponiendo que conociera el rodaje) de haber rodado esa secuencia, aunque no le pagaran por ello tropezientos millones de euros. Tampoco se entiende que ninguna productora española entrara en su financiación. La película resulta muy agradable de ver. Estas son las cuestiones que los franceses no dejarían pasar y lo utilizarían para la promoción de su país, de su cine y de sus productos (aunque sea un equipo de fútbol)

 

Palabras clave: Discapacitados. Road-movie. Fútbol.

 

Tráiler: https://youtu.be/Ttxky8yoD3E

 

 

 

(**) “Cruce 48” (“Junction 48”, Udi Aloni, Israel-Alemania-USA, 2016):

 

Aplausos en el Teatro Zorrilla. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Lod es una ciudad muy cerca de Tel Aviv donde viven judíos y palestinos. Un joven canta rap y utiliza las letras de sus canciones para denunciar la situación en la que viven. Su novia canta también pero su familia no se lo permite. Su padre, también músico, ha muerto en un accidente y su madre ha quedado en silla de ruedas. Las drogas destrozan la vida de muchos jóvenes en una zona casi en ruinas.

 

¿Cuándo aprenderán judíos y árabes a vivir en paz? ¿En qué siglo finalizará ese conflicto? Otra película de nacionalidad israelí pero hecha por árabes. Me pregunto cómo funcionará el tema de la censura que Israel seguro ejerce sobre las producciones cinematográficas. Es curioso como el rap está presente en muchos países asiáticos, africanos y se utiliza como vehículo para la denuncia (ver “Sonita” en Documenta 2016: http://www.cinepastor.es/Documenta2016.htm). Resulta irónico ver como los judíos derriban la casa de un palestino, cuya familia vivió siempre allí, para construir un “Museo de la Convivencia”.

 

Palabras clave: Judíos. Árabes. Rap. Música. Tradiciones. Juventud.

 

Ha obtenido el Premio del Público para Punto de Encuentro

 

Tráiler: https://youtu.be/j_-euaQym2M

 

 

 

 

 

(**) “Marija” (Michael Koch, Alemania-Suiza, 2016):

 

Aplausos en el Teatro Zorrilla. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Marija es ucraniana. Vive en Alemania limpiando hoteles. Es despedida al robar unos pendientes en el hotel. Su sueño es montar una peluquería. Vive casi en la indigencia sin poder pagar el alquiler a su casero kurdo. Habla bien el alemán y el ruso y gracias a eso sirve de ayudante a su casero en los trapicheos que éste tiene. Conoce a un constructor serbio que está en tratos con unos rusos y ella le será de gran ayuda.

 

Se presentó en Locarno 2016 a competición. Ópera prima. Bien narrada. Se sigue con interés la evolución de Marija: su sacrificio, su sueño. La interpretación de ella es un tanto sobria pero es lo que el papel necesita. Al principio, en un plano secuencia, vemos como ella avanza por una calle, la cámara situada detrás, vemos su cogote. Este plano se repite varias veces. Al final, cuando ella ha logrado montar la peluquería, la vemos avanzar de frente. La situación ha cambiado. Es una película sencilla que encierra el drama de miles de inmigrantes (y de refugiados)

 

Palabras clave: Inmigración. Miseria.

 

Tráiler: https://youtu.be/dcms0mF9A4U

 

 

 

(**) “Nakom” (Kelly Daniela Norris y TW Pittman, Ghana-USA, 2016):

 

Aplausos en su pase del Teatro Zorrilla. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Iddrisu es un joven y brillante estudiante de medicina en Ghana. Recibe la noticia de que su padre ha muerto y regresa, de forma provisional, a Nakom, su aldea para asistir al entierro. Una vez allí, comprueba que su familia no va a poder seguir adelante sin su ayuda. Aplaza hasta el funeral del padre su regreso y trabaja en la tierra del padre para poder sembrar y pagar una gran deuda a su tío. Él es ahora el cabeza de familia.

 

Se presentó en Berlín 2016, Panorama. Muy bien. Son dos directoras estadounidenses que creo han logrado transmitir con mucho acierto una historia que, aparentemente les puede resultar lejana, pero que sin embargo nos la muestran con una gran naturalidad y realismo. Consiguen ese tono tan característico de directores africanos como Ousmane Sembène. La fotografía es espléndida, el ritmo, la música, las interpretaciones… Una película a recordar.

 

Palabras clave: Familia. Sacrificio. Hermanos. Padres-hijos. Agricultura. Tradiciones.

 

Tráiler: https://youtu.be/WXuN6ve6cn4

 

 

 

(**) “Maquinaria Panamericana” (Joaquín del Paso, México-Polonia, 2016):

 

Tibios aplausos en su pase en el Teatro Zorrilla. Comedia negra. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: México. El jefe de una empresa dedicada a maquinaria (tractores, excavadoras) aparece muerto en su apartamento (que está dentro de la propia fábrica). Era una antigua empresa que vivió tiempos mejores y que desde hacía muchos años había quebrado. Prácticamente los sueldos los pagaba de su bolsillo y los empleados acudían a hacer tareas totalmente improductivas. Todos se ponen de acuerdo para que su muerte no trascienda y así poder seguir con su vida.

 

Se presentó en Berlín 2016, sección Forum. Lástima de guión. Una buena historia que se va al traste por la impericia de su director y de su guionista. Extrañamente esta película no figura en el catálogo del Festival. El inicio es muy bueno pero el desarrollo es penoso. Es una comedia negra, muy estilo Kusturica, donde se mezcla (mal) el humor absurdo y el surrealismo. La fábrica parece por momentos el escenario de “El ángel exterminador” de Buñuel. Lástima. Por cierto se debería haber subtitulado al español. El cartel (que no conocía) es buenísimo.

 

Palabras clave: Fábricas. Empleados. Quiebra.

 

Tráiler: https://youtu.be/3jc52QXZ_H0

 

 

 

(**) “Bienes benditos” (“Inshallah estafadit”, Mahmoud al Massad, Alemania. Jordania. Países bajos. Qatar, 2016):

 

Aplausos en su pase en el teatro Zorrilla. Comedia dramática. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Jordania. Un pobre hombre, obrero de la construcción, entra en prisión por un pequeño delito: utilizó el anticipo de un cliente para ayudar a su primo en la compra de unos ordenadores portátiles. Le condenan a tres meses. Curiosamente encajará muy bien en la vida diaria con sus compañeros de celda.

 

Muy bien. Muy entretenida. Es una película de ambiente carcelario pero diferente a lo que habitualmente conocemos. Tiene puntos muy graciosos y el director logra meterte no sólo en la piel del personaje principal sino también en la de alguno de sus compañeros. Mezcla muy bien el fondo dramático con esos toques humorísticos. Tienes la sensación de que es más feliz dentro de la cárcel que fuera.

 

Palabras clave: Cárcel. Estafa.

 

Tráiler: https://youtu.be/UBSeX7YgwDE

 

 

 

 

(**) “Sol blanco” (“Seto surya”, Deepak Rauniyar, Nepal-USA-Qatar, 2016)

 

Aplausos en su pase del Teatro Zorrilla. El director ha presentado la película. Drama. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Nepal. Chandra regresa a la aldea para enterrar a su padre. La guerra civil ha terminado pero aún quedan muchas heridas abiertas. El entierro del padre no resultará tan fácil y se complicará por culpa de las rencillas políticas y de las tradiciones ancestrales.

 

Bien. Aunque tiene algunas lagunas narrativas. Es un ejemplo más de cómo absurdas tradiciones impiden el avance de un país. Y de cómo las cuestiones políticas pueden destruir una familia o un país entero. Tiene momentos muy logrados como el intento de entierro del padre. Aquí sí parece una metáfora de que esos viejos “cadáveres” impiden avanzar y es la juventud, los niños, los que resuelven la situación.

 

Palabras clave: Guerra civil Regreso. Hermanos. Tradiciones.

 

Tráiler: https://youtu.be/zDeqkHyt8Rk

 

 

 

 

Punto de Encuentro (cortometrajes):

 

(**) “Millas de arena (“Miles of sand”, Sonejuhi Sinha, Suecia-USA-India):

 

Drama. Silencio sepulcral al terminar el corto, sólo roto por unos tibios aplausos finales. En India, la niña tiene 11 años y ya le están buscando marido.

 

(**) “Una bomba” (“Une bombe”, Guillaume Harvey, Canadá, 2015):

 

Drama. Aplausos en el Teatro Carrión en pase general. Mezcla correctamente dos historias: unos jóvenes que preparan una bomba a través de las informaciones de Internet y la atracción sexual que uno de ellos siente por la hermana del amigo. Bien narrada.

 

(**) “Mamá” (“Maman”, Victoria Musiedlak, Francia, 2016):

 

Comedia dramática. Tibios aplausos. Una joven con su madre en el parque. Olvidable.

 

(**) “Todo está bien” (“Vi kan ikke hjelpe alle”, Nina Knag, Noruega, 2016):

 

Drama. Aplausos en el Teatro Zorrilla. La directora ha presentado el corto y tras su proyección ha respondido a varias preguntas. De nuevo la crisis causando dolor aunque en este caso en una país tan desarrollado como Noruega. Una madre, que no tiene dinero, trata de comprarle unos leotardos a su hija en un centro comercial. El problema de fondo es que no tendrá dinero ni para darle de comer.

 

(*) “Robo de coche” (“Jacked”, Rene Pannevis, GB, 2015):

 

Demasiado simple. Dos jóvenes roban un coche. En su interior unas cintas grabadas de su propietario donde le habla a un hija a la que no va a conocer por su enfermedad.

 

(**) “Por su propia seguridad” (“Zu ihrer eigenen sicherheit”, Florian Heinzen-Ziob, Alemania, 2016):

 

Comedia. Está muy bien. Un guarda de seguridad en el control de equipajes de un aeropuerto. Es tan exigente en su trabajo que se gana la enemistad de sus compañeros. Curiosamente cuando incumple sus obligaciones es cuando se gana el respeto de los demás.

 

(**) “Cine de sábado” (“Samedi Cinema”, Mamadou Dia, Senegal-USA, 2016):

 

En Senegal. Dos niños quieren ver la película cuya última función es el sábado. Tratan de reunir el dinero para poder entrar a la proyección.

 

(**) “Bebé” (“Baby”, Lovisa Sirén, Suecia, 2016):

 

Estocolmo. Una joven conoce a un chaval. Son aparentemente muy distintos, sin embargo compartirán una noche de fiesta. Ella está embarazada y quiere abortar. Por la mañana las cosas parecen haber cambiado.

 

(**) “Medio hombre” (“Po covika”, Kristina Kumric, Croacia-Francia, 2016):

 

Premio al mejor cortometraje extranjero de Punto de Encuentro. No es para tanto aunque es cierto que el nivel del resto no ha sido mucho mejor. 1991. En la guerra de los Balcanes. El padre de dos niñas ha sido liberado de un campo de prisioneros y regresa a casa. Está como ausente, bloqueado por la experiencia vivida. No parece el mismo padre.

 

 

Escuelas de Cine: ECAM y ESCAC

 

Se presentan algunos de los últimos trabajos de estas escuelas tan importantes para la formación de nuestros futuros directores, guionistas, actores, etc. Se han exhibido un total de 13 cortometrajes (6 de la ESCAC de la promoción de este año y 7 de la ECAM de la promoción del 2015). Primero se proyectaron los de la Escuela de Cataluña, todos ellos de una gran calidad técnica y artística y con historias muy bien narradas. Dada la duración del acto (presentación inicial y tres horas de cortometrajes) no pude ver algunos de los trabajos de la ECAM (aunque ya vi en Nocturna 2016 uno de sus cortos). De lo visto me ha llamado mucho la atención que las historias de la ECAM (las cinco que conozco) dejan mucho que desear a nivel de guión, son historias mucho más simples, que técnicamente y artísticamente tienen muy buen nivel, pero que parecen hechas como meros trámites de finalización de estudios, son trabajos “fríos”, sin alma (excepto “Sin tu latido”).

 

ESCAC (Cataluña):

 

(**) “Cal fer el cor fort” (Marc Caballero, 2016):

 

Correcto. Un drama bien narrado que se centra en las difíciles relaciones de pareja. El único rodado en catalán. El final un tanto insulso.

 

(**) “Cruzar el umbral” (Sergio Hernández, 2016):

 

Drama. Un tanto confuso en su desarrollo, no entiendes muy bien qué es lo que está pasando, con lo cual descoloca durante bastantes minutos al espectador y eso puede resultar muy arriesgado.

 

(***) “Elegía” (Alba Tejero, 2016):

 

Drama. Sin duda el mejor de los vistos. Buena historia que narra con acierto el infierno que puede ser la convivencia entre adolescentes en un colegio. La joven Mireia Vilapuig interpreta de forma magnífica su difícil papel. En conjunto todas las actrices están muy bien.

 

(**) “Naturaleza muerta” (Gala Hernández, 2016):

 

Drama. Bien los actores, bien la historia: un hombre que cuida de su mujer postrada en la cama, casi en estado vegetativo, y que conoce a una joven ciega muy guapa. Bien dosificados los tiempos narrativos.

 

(**) “Ringo” (Adrià Pagès, 2016):

 

Comedia. Muy aplaudido. Una idea muy original, arriesgada y bien desarrollada, con lo cual te resulta convincente. Desde el día que murió Ringo Starr la abuela afirma que ella es Ringo (como si se hubiese reencarnado en su cuerpo)

 

(**) “Verano 78” (Serapi Soler, 2016):

 

Comedia. Muy bien conseguido ese tono años 70. Es como mezclar un episodio de “Cuéntame” con un capítulo de “Aquellos maravillosos años” (una serie estadounidense que a mí me encantaba). Bien todo el conjunto de actores,

 

ECAM (Madrid):

 

Lo primero que me pregunto es por qué no se han presentado los trabajos de la promoción de este año como ha hecho la ESCAC.

 

(*) “Bruno” (Marina Sierro, 2015):

 

Drama. Por favor, un poquito más de seriedad a la hora de plantear las historias: una pareja ha abandonado a su perro que se llama Bruno, ella está embarazada, se arrepienten y lo buscan por el monte, no lo encuentran. Ya en casa ella dice que al niño le va a poner de nombre Bruno… ¡Por favor! como práctica para ejes, cámara, sonido, revelado, etc. vale, pero hombre, un poquito más de historia, de contar algo realmente interesante.

 

(*) “El hombre de hojalata” (Adrián Climent Ozores, 2015):

 

Drama. Algo parecido a lo anterior. Bien de factura técnica pero le falta desarrollo de la historia. Es posible que su director, guionista, actores, quién haya tutelado el proyecto, todos ellos, comprenderán muy bien el fondo de la historia, pero los demás, a los espectadores a quién debe ir dirigido este trabajo nos quedamos “alejados” de la historia, no conseguimos entrar en lo que nos cuenta. Un hombre, un gimnasio, una mujer que le da masajes con los pies en la espalda… ¿? ¿Quieren decirnos que no tiene corazón como el hombre de hojalata?... ¿?

 

(**) “Sin tu latido” (María Posada Rouco y Adrián Iglesias Chillida, 2015):

 

Comedia. Bueno, al menos tiene una historia narrada con corrección. Un hombre (Guillemo Montesinos) ha secuestrado a Luis Eduardo Aute para que le cante a su mujer “Sin tu latido”…. Suena a ese episodio de los Simpson cuando secuestran a Tom Jones.

 

(*) “Stalingrado” (Anyora Sánchez, 2015):

 

Comedia. No hay por donde agarrarlo. Les parecerá muy gracioso pero roza el ridículo. Un pastor que ha metido en su casa a una rusa y la madre de él no la acepta. Lo de antes; como trabajo de ejes, ritmo, montaje, fotografía… vale, pero como historia es penoso. Al final, la rusa en venganza porque la madre dice que es una prostituta suelta a las ovejas… Ja, ja, ja.

 

(¿?) “Take away” (Geòrg Cantos, 2015).

 

No pude verlo

 

(¿?) “Tolerancia cero” (Arturo Salmerón, 2015).

 

No pude verlo

 

(0) “Yo no he sido” (Ángel Ripalda, 2015).

 

Lo vi en Nocturna 2016. http://www.cinepastor.es/Nocturna2016.htm Copio literalmente lo que allí escribí: “Se presenta a concurso en la inauguración del Festival acompañado a “The hollow point”. Aplausos en la Sala 1 del Cine Palafox que yo no comparto y que me suenan más a amiguismo-colegueo… que a la propia calidad del corto. Malo, muy malo, impropio de la inauguración de un Festival por pequeño que sea. Elena Furiase (la hija de Lolita Flores) actúa sin ninguna convicción. Pongamos que se trata de un ejercicio de aprendizaje”

 

Doc. España

 

(***) “Miguel Picazo. Un cineasta extramuros” (Enrique Iznaola, España, 2016):

 

Intervienen: Anna Saura. Miguel Picazo. Carlos Saura. Víctor Erice. Mercedes Sampietro. Carmen Maura. Josefina Molina. Fernando Trueba. Fernando Lara. Julio Diamante. Eduardo Noriega. Enriqueta Carballeira.

 

Un buen documental donde se hace un repaso a la obra de Miguel Picazo (Cazorla, Jaén, 1927/2016) con especial atención a su obra más conocida “La tía Tula”, un hito en la cinematografía de los 60 y un título indispensable de nuestra historia. A través de una joven estudiante, Anna Saura, vamos descubriendo la escasa filmografía (cinco largometrajes) y algunos rasgos de su personalidad, los problemas con la censura y su fallido proyecto de “Jimena” y en general los problemas que tenían los jóvenes cineastas de entonces (y de ahora) por abrirse camino. Se sigue con mucho interés, si bien, en mi opinión, son muy escasa las alusiones a los numerosos trabajos televisivos que desarrolló (“El hombre de la esquina rosada”, algún episodio de “Cuentos y Leyendas”, de “Crónicas de un pueblo”, etc.).

 

Presentación del documental en Canal Sur: https://youtu.be/4Wda-3PwLyQ

 

 

 

 

 

(**) “Rodar en andaluz. Retrato de una generación de cineastas independientes” (Eduardo Trías, España, 2016):

 

Fuera de concurso.

 

Intervienen: Juan Miguel Calvo, Carlos Taillefer, Julio Diamante, Juan Sebastián Bollaín, Manuel Alcalá, Nonio Parejo, Javier Ramírez, Paco Periñan, José Moreno Portales.

 

En los años 70 surge en Andalucía un grupo de jóvenes interesados por el mundo del cine que, poco a poco, y casi sin medios, empezaron a hacer un cine muy alejado de planteamientos industriales, un cine casi amateur, radicalmente independiente, un cine que el director del documental considera que fueron “los mimbres que después se desarrollaron hasta llegar al cine actual de Andalucía tan pujante”. Particularmente creo que nada tiene que ver el hecho de que ahora haya un grupo de cineastas andaluces de cierta relevancia (Alberto Rodríguez, Benito Zambrano, Gerardo Olivares…) con aquel grupo de jóvenes que en los años 70 realizaron obras diferentes arriesgadas y nada comerciales. Se habla de la importancia que tuvo el Cine Club Vida de Sevilla, del Festival de Cine de Autor de Benalmádena, de autores como Miguel Alcobendas y su documental “Camelamos Naquerar (queremos hablar)”, Juan Miguel Calvo y de su documental “Fiesta de Verdiales” de 1976, y de otras obras poco conocidas y muy interesantes.

 

Fragmento del documental: https://youtu.be/pHtESyR3rfY

Camelamos Naquerar” (Miguel Alcobendas, 1976): https://youtu.be/cOzi04RhC9k (completo, 16 minutos)

https://www.facebook.com/rodarendandaluz/

 

 

 

 

 

 

 

 

Tiempo de Historia

 

(**) “España en dos trincheras, la guerra civil en color” (Francesc Escribano y Luis Carrizo, España, 2016):

 

Documental que se proyecta con motivo de los 80 años de la guerra civil española. Fuera de concurso. Aplausos en su pase general en el Teatro Zorrilla. Es un documental de narrativa clásica.

 

Sinopsis: Repaso histórico y cronológico que abarca desde los años previos al estallido de la guerra civil hasta el estallido y la finalización de ésta.

 

Al igual que se ha hecho con los documentales de la 1ª guerra mundial en color se ha querido hacer un trabajo similar para el caso de la guerra civil española. Es un documental sesgado que “olvida” episodios trascendentales en los años previos al golpe militar. Por ejemplo no se menciona nada de la revuelta de Fermín Galán en Jaca en diciembre de 1930, o la “sanjurjada” de agosto de 1932, o los sucesos de Casas Viejas o de Castilblanco, o el encarcelamiento del gobierno de la Generalitat por el propio gobierno de la República y muchos otros sucesos que tuvieron gran importancia en esa etapa de fracaso colectivo de la convivencia y que tristemente desembocó en una guerra entre hermanos. No olvidemos que este documental está realizado con el apoyo de la Generalitat de Cataluña, imagino, que en los momentos actuales de tensión con el separatismo radical catalán (lo mismo que en los años treinta) no es “políticamente correcto” recordar que, en aquel entonces, los metieron en prisión. Por ejemplo la conocida foto de Companys, con su gobierno, tras las rejas en octubre de 1934, no aparece en este documental. Curiosamente se habla de la frontera con Francia y de la frontera con Cataluña. Como he escrito muchas veces las palabras no son inocuas. A pesar de ello y conociendo esa parcialidad, es un documental que se sigue con mucho interés y que deja claro algunos aspectos que mucha gente desconoce, por ejemplo que Franco no era la persona prevista para encabezar la Jefatura del Estado (las muertes accidentales de Sanjurjo y Mola trastocaron los acontecimientos). El documental, que dura 96 minutos sigue de forma cronológica toda la guerra civil hasta el triunfo de Franco y alguna mención temporal posterior.

 

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